Künstler

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Corbusier wurde Anfang 2017 in Berlin von einer Orientalischen Mutter und im beisein seines Sphinx Vaters zur Welt gebracht. Sein müheloses und elegantes Auftreten brachte ihm den Namen Corbusier ein. Er wurde in jungen Jahren von einer Künstlerin und einem Philosophen adoptiert, welche sein Interesse an Kunst weckten und ihn auch dazu brachten, sich mit seinen eigenen Fragen über das Leben auseinanderzusetzen. Später wurde er kastriert, um nicht von dieser Beschäfftigung abgelenkt zu werden. Seit dem lebt er ein Mönchsleben, in völliger Abstinenz und entwickelte ein Erscheinungsbild, das rein wie Gletscherwasser ist und in seiner Körperlichkeit den Vergleich mit einem Shaolin-Mönch nicht zu scheuen braucht. Sein Interesse an Designmöbeln zeigt er mit einer seltsamen heftigen Leidenschaft, ist aber ansonsten ein ruhiges und nachdenkliches Wesen, das neben seinen Leidenschaften dem ordinären Katzenleben nachgeht und auf Heizungen herumhängt.

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Alexandre Achour ist Performer und Choreograf und absolvierte seinen MA in Choreografie am HZT Berlin. Sein Stück „This isn’t gonna end well“ wurde durch das EU Kulturprogramm im Rahmen des Projekts Life Long Burning unterstützt. Seine letzte Arbeit „Spekaing about the ghost“ entstand für K3 – Zentrum für Choreografie in Hamburg. Zusammen mit dem chinesischen Choreografen Guo Rui und der Guangdong Modern Dance Company entsteht eine neue Produktion. Er arbeitete u.a. mit Künstler*innen wie Tino Seghal, Xavier Le Roy und Saša Asentić. www.alexandreachour.com

Johanna Ackva ist Tänzerin und Choreografin. Kollaborative Prozesse sind für ihre Arbeit zentral. So entstanden u.a. Stücke mit Carrie McIlwain, Magdalena Meindl und Philipp Enders. Im Juni 2019 zeigte sie beim Project Space Festival ‘thank you for all the food that i have received in my life’, eine Prozession durch den öffentlichen Raum, performt von Tänzer*innen und Bläser*innen, die mit zirkulären und linearen Verlaufsformen spielen und den Dynamiken des Miteinanders folgen. Seit zwei Jahren interessiert sich Johanna für Kulturen des Umgangs mit der Endlichkeit. Dazu führt sie Gespräche mit Menschen, die beruflich wie privat mit Sterben und Tod in Berührung kommen. Sie ist Mitbegründerin des Kollektivs Suddenly, unterrichtet, u.a. an der UdK, performt für Choreograf*innen und Künstler*innen und schreibt für das ada Studio.

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Heike Albrecht leitete von 1999 – 2002 das Tanz und Performing Arts Programm am LOFFT in Leipzig. In Kooperation mit dem Tanzarchiv Leipzig e.V. fand dort 2000 die internationale Konferenz "Moving Thoughts – Tanzen ist Denken" statt. Als Künstlerische Leiterin des Festivalformats Westend entwickelte sie eine interdisziplinäre Plattform mit den Ausgaben "Westend 04 Maybe the sky is green and we are just colorblind" und "Westend 05 know your rights". 2006 kuratierte sie die Tanznacht Berlin 2006 an der Akademie der Künste und das Festival Tanz made in Berlin. Von 2007 bis 2010 war sie Künstlerische Leiterin und Geschäftsführerin der Sophiensaele in Berlin. Als Kuratorin für das Goethe-Institut leitete sie im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt „Maribor 2012“ das Programm  "As we speak – Zukünftige Sprachen" und war Programmleiterin und Dramaturgin für das Theaterfestival FAVORITEN 2012. 2014 war sie Künstlerische Leiterin der 8. Tanznacht Berlin an der Tanzfabrik Berlin - Wedding und in Zusammenarbeit mit der Galerie Ebensperger. In Berlin arbeitet sie als Dramaturgin, Mentorin und Jurorin mit dem Schwerpunkt Performing Arts und Tanz.
 

Simonetta Alessandri, London. Simonetta beschäftigt sich seit über 30 Jahren mit Tanz, Pädagogik und Choreografie. Zunächst Ausbildung in Ballett, Modernen und Zeitgenössischen Techniken, dann Fokus auf Improvisation und somatische Techniken. Sie choreografierte für Tanzkompanien, Ausbildungsstätten, Opern, Site-Specific Performances und Theaterstücke und trat in zahlreichen Improvisationen auf. Sie erwarb das Post Graduated Diploma in Choreography der London Contemporary Dance School, Teacher Certificate at R.A.D. und ist zertifizierte Lehrerin der Feldenkrais ® Methode. Simonetta unterrichtet zur Zeit bei Trinity Laban, London Contemporary Dance School und Goldsmiths University. Sie war Gastdozentin in über zehn Ländern. “The Nodines” ist ihr neustes Stück als Performerin und Choreografin, in Zusammenarbeit mit Nodine and Stella Nodine. 

Nora Amin, Performerin, Choreografin, Autorin, Theaterregisseurin. 2000 gründete sie Lamusica Independent Theatre Group in Ägypten, wo sie 37 Produktionen leitete, choreografierte und produzierte. 2011 startete sie das landesweite ägyptische Projekt für Theater der Unterdrückten, das sich auf ein arabisches Netzwerk in Marokko, Libanon und Sudan ausdehnte. Gastprofessur am Mount Holyoke College (USA), Institut für Allgemeine und Vergleichende Literatur (FU), Samuel Fischer-Literaturpreis-Preis 2004-2005 und Valeska-Gert-Gastprofessur für Tanzwissenschaft 2018. Ihr Buch »Weiblichkeit im Aufbruch« (MSB Matthes & Seitz, 2018) untersucht die Übertretungen des weiblichen Körpers in der Öffentlichkeit. Ihr nächstes Buch, »Dance of the Persecuted«, ist eine Geschichte des ägyptischen Tanzes der Frauen aus einer feministischen Perspektive, die Patriarchat mit Kolonialität und Rassismus verbindet.

Raquel André wurde 1986 in Caneças (Odivelas - Portugal) geboren.Ihren künstlerischer Weg begann seit sie denken kann. Eines Tages nahm sie eine Schachtel voller handgeschriebener Briefe, eine Korrespondenz aus einer Familie in den 70er, 80er und 90er Jahren, und ab dann machte sie 2009 ihre erste Aufführung. Seitdem interessiert sie sich fürs Sammeln, insbesondere für das Sammeln in den Performing Arts, über das sie eine Masterarbeit an der Universität Federal of Rio de Janeiro (2016) schrieb, die von der Forscherin und Performerin Eleonora Fabião mit einem Stipendium von Fundação Calouste Gulbenkian, Lissabon, unterstützt wurde. Sie studierte an der Theater- und Filmhochschule Lissabon und arbeitete anschließend mit mehreren portugiesischen Künstlern aus verschiedenen künstlerischen Sprachen zusammen. Sie produzierte Fernsehformate und zeigte ihre Arbeiten in Portugal, Spanien, Polen, Kuba, Argentinien und Brasilien. Sie ist derzeit eine APAP-Künstlerin unter der Unterstützung des Teatro Nacional D. Maria II (Lissabon-PT) und lebt in Rio und Lissabon.

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Temporary Archipelago ist eine kollektive Plattform, bestehend aus den Tanzkünstlerinnen Ana Laura Lozza, Kareth Schaffer, Claudia Tomasi und Lee Meir. Wir haben diese Plattform gegründet, um sicherzustellen, dass die kommunalen und unterstützenden Beziehungen, die wir während unseres Studiums am HZT Berlin gepflegt haben, in einer künstlerischen Landschaft, die noch weitgehend von individuellem Produzieren besessen ist, nicht leiden. Bei dieser Gelegenheit präsentieren Ana Laura Lozza und Lee Meir * des Temporary Archipelagos zwei ihrer neuesten Werken, parallel zur Premiere Unheard Of von Kareth Schaffer.
* Claudia Tomasi konnte an dieser Ausgabe nicht teilnehmen, aber kommt für TA Nr. 6 zurück.

Eines Tages machte sich Antonia Baehr, das Haus auf dem Land zurück lassend, als junge Entdeckerin zu Fuß auf, und spielte Puppentheater auf dörflichen Marktplätzen um sich ihr täglich Brot zu verdienen. Nachdem sie studiert und allerlei Dinge gemacht hatte, wurde Antonia Baehr auch noch zu Werner Hirsch, Tänzer und Pferdeflüsterer, welcher Filme machte, welcher ebenso der Produzent des Musikers Henri Fleurs sowie des Komponisten Henry Wilts sowie der Ehemann Henry Wildes ist. Das Unterrichten von jungen Künstler*innen an Kunsthochschulen entzückte sie und derweil erkundete sie in ihren Arbeiten unter anderem die Fiktion des Alltäglichen und des Theaters, oft in Zusammenarbeit mit wechselnden Künstler* innen und wechselnden Partituren. Dann geschah etwas Außergewöhnliches, denn sie wurde in die Beursschouwburg nach Brüssel eingeladen, um drei ganze Monate lang die Dinge zu präsentieren, die Baehr und Hirsch und all ihre anderen Freund*innen zuvor mit ihr erarbeitet hatten. Diese Zeit war wunderbar und es wurde viel gelacht, wie in dem Buch “Rire / Laugh / Lachen”. Und als das vorbei war und das Konfetti davon gefegt war, machte sie sich daran ein neues Buch voller Portraits von Affinitäten in Tiermetaphern, gefüllt mit Bildern, Partituren und Radierungen, zu kreieren, welches dem Stück “Abecedarium Bestiarium” folgte, welches dann in Kolumbien auf Reisen ging. Und auf dem Weg gab es noch mehr: da waren „Larry Peacock”, „My Dog is My Piano”, „For Ida”, „For Faces”, „Merci / Thank you / Danke”, „Rire / Laugh / Lachen” und die Hörstücke und das in keiner bestimmten Reihenfolge, denn die Dinge purzelten einfach so in den Ozean, wo sie „Des miss et des mystères" mit Olivier schrieb, und in der Mitte und fast am Ende dessen tanzte sie Tango, verliebte und entliebte sich, zelebrierte die Malereien ihrer Eltern, und begann einen neuen normalen Tanz mit ihren Freundinnen zu machen, die überhaupt keine Tänzerinnen sind, aber einige von ihnen sind es schon. www.make-up-productions.net

Silke Bake lebt in Berlin und arbeitet als Kuratorin, Dramaturgin und Mentorin. Sie hat für verschiedene Institutionen (u.a. TAT Frankfurt, Hebbel-Theater, Tanzquartier Wien) gearbeitet und Programme für u.a. Haus der Kulturen der Welt und Akademie der Künste in Berlin, Kanuti Gildi Saal in Tallinn und Theaterformen Braunschweig/ Hannover realisiert. Sie war Dramaturgin und Projektleiterin des Performing Art Festivals IN TRANSIT am Haus der Kulturen der Welt 2008 & 2009, sie ko-kuratierte das biennale NU-Performance Festival On Hospitality im Rahmen des Europäischen Kulturhauptstadt- programms Tallinn 2011 (mit P. Stamer), performace platform. body affects an den Sophiensaelen Berlin 2012 (mit B. Knaup). Mit Kolleg*innen entwickelt und realisiert sie diskursive Formate wie z.B. „from dusk till dawn and further“ - eine 12-stündige Talkshow mit 24 Gästen bei ImpulsTanz Festival Vienna (mit P. Stamer), mehrstündige Diskursveranstaltungen wie der „Visionärer Widerstreit“ sowie die seriellen Gesprächs-/ Praxisformate „Let’s talk about work (and life)“ (mit J. Lanteri) und „Ecologies of practice“ (mit A. Chauchat, B. Knaup, S. Zacharias). Silke war die künstlerische Leiterin für das bienale Programm Tanznacht Berlin 2016 & 2018 und war 2018 Gastprofessorin am Masterstudienprogramm SODA des HZT in Berlin.

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Adam Benjamin (UK) ist Choreograf, Autor und einer der Pioniere des integrierten Tanzes. Sein Buch Making an Entrance. Theory and practice for disabled and non-disabled dancers (Routledge 2002) gilt als bahnbrechend. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Londoner TimeOut-Performance-Preis, den Sainsbury's-Preis für Bildung und ein National Teaching Fellow. Er war Associate Artist bei The Place, ein Wingate- und ein Rayne Choreographic Stipendiat und erhielt ein Arts Council International Artist Fellowship. 2015 wurde er vom South Bank Centre zum Change Maker ernannt. Er war Mitbegründer der CandoCo Dance Company und Gründungsmitglied von 5 Men Dancing. Seine jüngste choreografische Arbeit ist Marked für die Exim Dance Company. Er unterrich- tete und trat u.a. mit Russell Maliphant, Kirstie Simson, Jordi Cortés und Gabriele Reuter auf. www.adambenjamin.co.uk

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David Bloom wurde in Heidelberg in eine New Yorker Familie hineingeboren. Er spielt, seitdem er 16 Jahre alt ist, professionell Klavier, unter anderem in der Bar Marie’s Crisis in New York. Seine Tanzausbildung erhielt er hauptsächlich an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main, und studierte auch bei William Forsythe, Kirstie Simson und Benoît Lachambre. Er war Mitglied des Tanzensembles am Staatstheater Darmstadt, und arbeitete u.a. an Projekten von Marco Santi, Michaël d'Auzon, Nir de Volff/Total Brutal, Micha Purucker, Ingo Reulecke, Canan Erek, Friederike Plafki, Felix Ruckert & Tino Sehgal mit. Er unterrichtet zeitgenössischen Tanz in verschiedenen Kontexten und absolvierte außerdem das Urban Tantra Professional Training Program von Barbara Carellas. Er studierte BDSM und Tantra bei Lehrer*innen wie Joseph Kramer, Felix Ruckert, Osada Steve & Midori. Seitdem er den Studiengang M.A. Choreographie des Hochschulübergreifenden Zentrum Tanzes Berlin - wo er seit 2017 auch unterrichtet - abschloss, konzentriert er sich hauptsächlich auf seine eigene choreographische Arbeit, u.A. "Die Heilige und die Hure", ein Solo für Felix Ruckert, und "enemy", ein interaktives Sauna-Tanzstück. Er kuratierte außerdem regelmäßig die Berliner Play Party/choreographische Installation "Friends & Lovers", die eine Kurzfilmtrilogie inspirierte, von denen jeder seit Oktober 2013 beim Berliner Pornfilmfestival Premiere hatte. David war 2012 danceWEB-Stipendiat, und kehrte 2015 und 2016 zum Unterrichten zum ImPulsTanz-Festival zurück. mehr Info unter: davidbloom.info

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Johanne Castillo Bro studierte erst Bühnentanz an der Iwanson Schule für zeitgenössischen Tanz und dann Tanzpädagogik in Dänemark. Seitdem hat sie in vielen Tanzproduktionen und für diverse Tanzensembles in Paris, München und Berlin getanzt, u.a. MHK, Moebius, ACC/encorps, InSenso und für Choreografen wie Katja Wachter, Willy Dorner, Jess Curtis, Gill Clarke, Rosalind Crisp, Eric Lecomte, Olga Cobos und Peter Mika. Als Dramaturgin/Choreografin hat sie für die Theaterkompanie C.O.C. und mit dem Regisseur Yann Gonzales in Paris mehrere Jahre gearbeitet. Seit 2009 arbeitet sie als freiberufliche Tanzpädagogin, Tänzerin und Choreografin u. a. bei der Staatsoper Berlin, AbenteuerKultur dm-drogeriemarkt und mit dem Künstlerkollektiv possible.movement.

Catherine Caraker, San Francisco. Tänzerin, Performerin, Dozentin, certified practitioner of Body-Mind Centering®, MFA in Dance, Bennington College. Ehemalige Fakultät der School for New Dance Development Amsterdam. Performances in ganz Europa, Nord- und Südamerika. Veröffentlichungen zu Tanz und Somatics im Belgian dance journal Nouvelles de Danse.
www.caraker.com 

21.7. 15:30 Teaching and Performance Practice Catherine Caraker, Carol Swann, Sharon Hilleli-Assa

Alice Chauchat ist Choreografin, Tänzerin, Assistentin, Lehrerin u.v.m. Zumeist choreografiert sie in Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen und hat zahlreiche Plattformen für Produktion und Wissenstransfer in den darstellenden Künsten mitbegründet (everybodystoolbox, PAF, praticable). 2010-12 war sie künstlerische Ko-Leiterin von Les Laboratoires d'Aubervilliers. Seit einiger Zeit richtet sich ihr Arbeitsschwerpunkt auf die Umwandlung von Wissen und Komplexität kollaborativer Praxis in ästhetische Erfahrung. www.alicechauchat.net

Christina Ciupke lebt als Choreografin und Performerin in Berlin. Ihre Projekte entwickelt sie mit Künstler*innen aus dem Bereich Tanz und anderen Künsten. Aus diesen Zusammenarbeiten entstehen spezifische Räume und Situationen, in denen Nähe und Distanz, Intimität, Zeitempfinden und das Zusammensein von Zuschauer*in und Performer*in immer wieder neu verhandelt werden. Intensive Zusammenarbeiten verbinden sie mit den Choreograf*innen Nik Haffner, Mart Kangro, Jasna L. Vinovrški und Ayşe Orhon, dem Komponisten Boris Hauf und dem Dramaturgen Igor Dobričić. Von 2003 bis 2004 war Christina Ciupke Gastkünstlerin am Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe (ZKM). 2013 erhielt sie einen Master of Arts in Choreografie (AMCh) an der Amsterdam School of the Arts. Im Jahrbuch tanz 2014 erhielt sie die Auszeichnung zur Hoffnungsträgerin zusammen mit 33 weiteren Künstlerinnen und Künstlern. Seit 2016 ist sie mit der Tanzfabrik Berlin als Künstlerin im europäischen Netzwerk apap– advancing performing arts project - vertreten. www.christinaciupke.com

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Clément Layes lebt und arbeitet seit 2008 als Choreograf und Performer in Berlin. Mit Jasna L. Vinovrski gründete er hier die Kompanie Public in Private. An der Schnittstelle von Choreografie, bildender Kunst und Philosophie nehmen seine Arbeiten ihren Ausgang in Beobachtungen des täglichen Lebens und von Gegenständen des Alltags. Nach „Allege” (2010), „to allege” (2011), „Der grüne Stuhl” (2012), „Things that surround us” (2012) und „dreamed apparatus” (2014) beschließt Layes mit der Solo-Performance „TITLE” seinen Performance-Zyklus über die Dinge und die von Menschenhand gemachte Welt.

Dance Intensive Collective, beherbergt unter dem Dach der Tanzfabrik Berlin, ist ein selbst organisiertes Ausbildungsprogramm mit dem Ziel, neue Strukturen des Lernens und des Kreierens als Kollektiv zu entwickeln. Es ist ein Prozess des Forschens miteinander über “Leben mit Kunst” und “Kunst kreieren fürs Leben”, hier und jetzt. Es ist ein Pilotprojekt, welches durch und mit Antoine, Birte, Chada, Deborah, Elena, Evan, Gisela, Laura, Janine, Jonas, Olga, Sabrina, Paula and Sophie existiert.

"Kollektiv 三 (3) "ist ein multidisziplinäres, internationales Trio bestehend aus: Jasmin Schaitl (AT), Akemi Nagao (JP/DE) und William "Bilwa" Costa (US).
Die drei Künstler kollaborieren seit Februar 2013 in unterschiedlichen Konstellationen miteinander. Als Trio begann ihre Zusammenarbeit mit einem Research im März 2014 in Tanzfabrik, Berlin. Ihr Debut, mit der Performance *movement-sound-action *fand in EchoBücher, Berlin statt.

Akemi Nagao (JP/DE) ist eine in Berlin lebende japanische Tänzerin und Choreografin. Mit dem Tanzen begann sie als Dreijährige, es folgten Ballett, Street Dance, Soul Dance, Capoeira, zeitgenössischer Tanz und Improvisation. Seit 2007 lebt sie als freischaffende Tämzerin in Deutschland und arbeitete u.a. mit Choreografen wie Micha Purucker, Eva Baumann und Louise Wagner. Seit 2013 sie arbeitete als Gast Tänzerin für das Gerhart Hauptmann Theater, Görlitz-Zittau. In Zusammenarbeit mit Ingo Reulecke, Fatou Traore, WillIam „Bilwa“ Costa, Leo Duplex, Yannick Dupont, Louis Evrard, Dietmar Kirstein, Adam Plutz Melbye, Jasmin Schaitl, Michael Tuttle und viele weiteren Künstlern performte sie Instant composition in Berlin, Brüssel, Wien und Japan. Sie trat u.a. auf im Radialsystem V Berlin, auf der Ruhr Triennale Essen, dem Folkwang Museum Essen, im Theater Hebbel am Ufer/Berlin, den Sophiensaele Berlin und dem Kunstfest in Weimar. 2012 hat sie eine Förderung von Bremerhaven für das Stück „A Step“ bekommen und wurde im April 2014 als Gastkünstlerin an die Universität für angewandte Kunst in Wien eingeladen.
William “Bilwa” Costa (US) ist als Künstler, Performer, Kurator, Organisator und Lehrer, in Performance, Performing Arts, Sound Art, und bildender Kunst, auf internationalem Niveau tätig. Improvisation und Kollaboration sind essentielle Elemente seiner Tätigkeit. Er organisiert Performance- und Research Projekte sowie Labs, für und mit Künstlern, um einen interdisziplinären Austausch zu fördern. Seine musikalische Praxis beinhaltet elektro-akustische Improvisation (Solo und Ensemble) sowie Komposition. Bilwa performt, leitet Workshops, unterrichtet und organisiert in Nord Amerika, Europa und Australien.
Jasmin Schaitl (AT) ist Performancekünsterin mit einem abgeschlossenen Studium an der Universität für angewandte Kunst, Wien. In ihrer Diplomarbeit analysierte sie das Thema der Repräsentation von Performance Kunst. Daher beschäftigt sie sich insbesondere mit skulpturalen Aspekten, die während und nach einer Performance sichtbar werden. In ihren Langzeitperformances, legt sie ihre Hauptaugenmerk auf die individuelle Wahrnehmung des Zeitverstreichens und unterstützt diese durch Repetition und slow-motion Handlungen. Anstatt mit Narrativen zu arbeiten, reduziert sie ihre Aktionen auf die notwendige Essenz und Einfachheit bestimmter Bewegungsabläufe. Jasmin Schaitls Repertoire reicht von Solo Performances, über transdisziplinäre Kollaborationen, Duo-Performances, Workshops über Ausstellungen bis hin zur Kuration von Performance Serien in Europa, Zentral Amerika und Brasilien.

Guy Cools (BE) ist Tanzdramaturg. Jüngste Lehrtätigkeiten u.a. Associate Professor beim Research Institute of Arts in Society in Tilburg und Gastprofessor an der Univesität Ghent. Er arbeitete als Tanzkritiker und Kurator und Produktionsdramaturg u.a. mit Koen Augustijnen (BE), Sidi Larbi Cherkaoui (BE), Danièle Desnoyers (CA), Lia Haraki (CY), Akram Khan (UK), Arno Schuitemaker (NL) und Stephanie Thiersch (DE). Zu seinen neusten Publikationen gehört The Ethics of Art: ecological turns in the performing arts (2014); Body:Language (2012), und In-between Dance Cultures: on the migratory artistic identity of Sidi Larbi Cherkaoui and Akram Khan (2015). 

Rosalind Crisp ist eine der führenden Tanzkünstlerinnen Australiens. Im Jahr 2016 verlieh ihr Frankreich den Chevalier de l'Ordre des Arts et Lettres (Dame of the Arts). Rosalind gründete das Omeo Dance Studio – ein Zuhause des experimentellen Tanzes in Sydney (1996-2004), und die Tanzfabrik hat seit vielen Jahren mit Rosalind's Company Omeo Dance zusammengearbeitet. Im Jahr 2003 wurde sie nach Paris eingeladen, als erste assoziierte Choreografin des Atelier de Paris-Carolyn Carlson (2004-2012). Seit über dreißig Jahren entwickelt Rosalind eine radikale physische Kritik am Tanz durch das Tanzen. Die Grundlage ihrer Praxis ist ihre konsequente Solopraxis und ihre langjährige Zusammenarbeit u.a. mit Celine Debyser, Max Fossati, Andrew Morrish, Bo Wiget und den Tanzwissenschaftlerinnen Isabelle Ginot und Susan Leigh Foster. Als Anerkennung für ihren Einfluss auf viele Generationen australischer Tänzer wurde sie 2014 von der University of Melbourne - VCA zum Ehrenmitglied ernannt. www.omeodance.com
 

Claire Cunningham, Glasgow/UK. Entwickelt Multidisziplinäre Performances. Als einer der renommiertesten und annerkanntesten Britischen Künstlerinnern mit Behinderung, basiert die Arbeit von Cunninham meist in der Untersuchung und Nutzung/Mißbrauch ihrer Krücken, sowie der Erforschung des Potentials ihrer eigenen speziellen Körperlichkeit, mit bewusster Ablehung von traditionellen Tanztechniken (die für nicht-behinderte Körper geschaffen wurde) und dem Versuch sich in einer anderen Ästhetik als ihrer eigenen zu bewegen.  www.clairecunningham.co.uk

Jess Curtis, Choreograf, Performer und Dozent in Europa und den USA. Seine künstlerische Praxis zeichnet sich Experiment, Innovation, kritische Auseinandersetzung und Soziale Relevanz aus. Er arbeitet an der Schnittstelle von Bildender Kunst und Popkultur. Mit der Performancegruppe Contraband, dem Kollektiv CORE und der experimentellen Zirkuskompanie Cahin-Caha, Cirque Batard entwickelte und tourte er multidisziplinäre Tanzperformances in den gesamten USA und Europa. Von 1998 bis 1991 leitete er gemeinsam mit Keith Hennessy und Michael Whitson den 848 Community Space. 2000 gründete Curtis seine eigene Company Jess Curtis/Gravity in Berlin und San Francisco. Er erhielt 2011 den Alpert Award für Choreografie und den Homer Avila Award für innovatives Arbeiten in inklusiven Performances. Curtis ist aktiver Akademiker, Aktivist im Bereich Tanz und Performance, unterrichtet in den USA und Europa, war Gastprofessor in den Universitäten Berkeley California und UdK Berlin. Er erhielt MFA Choreography und Ph.D. Titel in Performance Studies an der University of California at Davis. www.jesscurtisgravity.org

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DANCE ON, eine Initiative von Diehl+Ritter, richtet den Fokus auf die künstlerische Exzellenz von Tänzerinnen und Tänzern über 40. Sie sind mit ihren Erfahrungen, ihrer Ausstrahlung und Darstellungskraft, mit ihrem Tanz-Leben auf der Bühne präsent. Im Frühjahr 2015 wurden aus über 230 Bewerbungen die sechs Ensemble-Mitglieder ausgewählt. Seit November proben Ty Boomershine, Amancio Gonzalez, Jone San Martin, Brit Rodemund, Christopher Roman und Ami Shulman in den Uferstudios für die erste Produktion 7 DIALOGUES. Das DANCE ON ENSEMBLE, international renommierte Choreographen und Regisseure werden unter der künstlerischen Leitung von Christopher Roman ein eigenes Repertoire aufbauen, u. a. mit Produktionen von Kat Válastur und Rabih Mroué. DANCE ON setzt gesellschaftspolitische Impulse mit Partizipationsformaten für alte Menschen und einem begleitenden Forschungsprogramm. Weitere Informationen und Biografien der Tänzer sowie der beteiligten Künstler unter: www.dance-on.net

DANCE ON ist ein Projekt der DIEHL+RITTER gUG, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Pepe Dayaw ist 'work in progress'. Er vermischt Folklore, prekäre Technologien und funkige Improvisationen um lebendiges Design und Formen von Gemeinschaft zu erforschen und choreografieren. Er hat an den Universitäten der Philippinen, Amsterdam und Warwick, sowie am Museum Reina Sofia Madrid und am Kaloob Philippine Music and Dance Ministry studiert. Er hat dabei verschiedenste Tanz-disziplinen erlernt, u.a. Pangalay und Butoh, ist selbsterlernter Koch und Masseur, sowie professioneller Karaoke Sänger. Pepe wurde in Manila geboren und ist überall aufgewachsen, er ist eine Mischung aus Überresten vergangener Leben, die jedesmal erneuert werden, wenn er performt. Er begann aus tropischer Nostalgie zu kochen und hat seither diese Praxis in dem von ihm gegründeten Lab Nowherekitchen als Methode weiterentwickelt. Nowherekitchen basiert auf dem Prinzip, aus Überresten und Vorgefundenem zu kochen, und hat sich zu einer lebendigen Schule für geschmackvolle Nachhaltigkeit und eine Demokratie im Werden entwickelt.

Dennis Deter ist gebürtiger Berliner und lebt und arbeitet dort als Dramaturg, Choreograph und Performer. Er studierte Philosophie und Neuere Deutsche Literatur an der Freien Universität Berlin,und arbeitete mit verschiedenen Künstlern wie Gui Garrido, Begüm Erciyas und dem White Horse Kollektiv. Mit der internationalen Performance- Band "John The Houseband" tourt er seit vier Jahren europaweit und spielt Bass im Rock-Trio „Das Band“. Seit 2003 arbeitet Dennis eng mit Anja Müller zusammen. Ihr gemeinsames Interesse gilt fiktiven und realen Körpern im Theater, sowie der Adaption von Methoden der Animation, Filmtechnik und Konzerten für die Bühne. Ihr gemeinsam erarbeitetes Duett „Interpassive Paradise“ gewann 2011 den Jurypreis des 100Grad-Festivals in Berlin. Für das Theater Freiburg kreierten sie die 2-Personen-Wagner Oper „Misfit - Ein Tannhäuser-Bastard“ sowie den durch alle Genres hüpfenden Parforceritt „Visionen“. Zuletzt stand Dennis als Schauspieler für den türkischen Regisseur Mesut Arslan in Antwerpen für Harold Pinters „Betrayal“ auf der Bühne.

Kattrin Deufert und Thomas Plischke (gemeinsam der Künstlerzwilling deufert&plischke) leben und arbeiten in Berlin. In den letzten vierzehn Jahren realisierten sie zahlreiche Theaterprojekte, die sich mit Situationen künstlerischer Produktion und der komplexen sozialen Dynamik und Logistik künstlerischer Prozesse befassen. Ihre Arbeiten reichen über den Rahmen von Tanz und Theater hinaus und fokussieren die individuelle Teilhabe und den sozialen Alltag im künstlerischen Geschehen. In ihren Arbeiten entstehen immer unterschiedliche künstlerische Umgebungen, die den Alltag aufheben, indem sie ihn umfassend in die Kunst integrieren und aufarbeiten. www.deufertandplischke.net

Alexander Deutinger studierte Übersetzen und Dolmetschen an der Karl Franzens Universität Graz und Tanz an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz. DanceWEB-Stipendium 2007. Er war Artist-in-Residence bei ImPulsTanz (TURBO), im CCL Linz, im Espacio de Creación Azala Vitoria, Espacio Común Bogotá, bei K3 Hamburg sowie bei D.ID Dance-Identity. Künstlerische Zusammenarbeiten mit Oleg Soulimenko, Dani Brown, Sofia Mavragani, Christine Gaigg, Alexander Gottfarb, Anna Mendelssohn, The Loose Collective. Gemeinsam mit Alexander Gottfarb produzierte er 2014 die Tanzperformance "Chivalry is Dead", die seither international tourt. Seit 2008 entwickelt er zusammen mit Marta Navaridas eigene choreografische Arbeiten, u.a. die Obama-Performance "Your Majesties", die Video-Performance "Speaking of Which" (8:tension), die Puppenchoreografie "On The Other Hand”, sowie die Lady Di Performance “Queen of Hearts” (tanzquartier Wien). Nächste Produktion: “Pontifex" (Premiere: 2017). www.navaridasdeutinger.com

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Juan Domínguez arbeitet im Bereich Tanz und Darstellende Künste. Seine Stücke erkunden das Verhältnis verschiedener Codes und treten für eine vollständige Aufhebung des Gegensatzes von Fiktion und Realität ein, in dem sie das Vorherige nutzen um das Spätere zu erzeugen und umgekehrt. Aktuell arbeitet er an Kontexten, die eine stärkere und kontinuierliche Beziehungen gewährleisten, sowie am Thema der Ko-Autorschaft von allen an einer live-ästhetischen und -poetischen Erfahrung Beteiligten. Zu seinen letzten Arbeiten zählen „Shichimi Togarashi“ zusammen mit Amalia Fernádez (2006), „All good artists my age are dead“ (2007), „blue“ (2009), „Clean Room Pilot“ (2010), „Characters arriving“ in Zusammenarbeit mit Los Torreznos (2011), „Clean Room Season 1“ (2012), „Clean Room Season 2“ (2014), „El Triunfo de la Libertad“ zusammen mit La Ribot und Juan Loriente (2014), „Clean Room Season 3“ (2016) und „Between what is no longer and what is not yet“ (2016). In den letzten 14 Jahren hat er verschiedene Festivals und Programme kuratiert. Er war künstlerischer Leiter des Festivals In-Presentable/La Casa Encendida (2003-12), Ko-Leiter des Living room Festivals (2010-13) und Ko-Kurator der Picnic-Sessions am CA2M-Madrid (2013-15).

Darko Dragičević (1979) in Belgrad geboren, lebt in Berlin. Er studierte Bildende Kunst an der Internationalen Hochschule für Kunst und Wissenschaften in Mailand und Filmproduktion an der NYFA, New York City. In seiner Arbeit als bildener Küsntler, Filmemacher und Performer erforscht er interdisziplinäre und crossmediale Kooperationen. Seine Werke wurden international auf zahlreichen Festivals, Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. Zu seinen jüngsten Projekten gehören die Choreografie Approximationen, der Dokumentarfilm ‚The Body as Archive’, ein Tanzfonds Erbe Project und die Performance-Serie "Failure as Practice" eine Auftragsarbeit for das Goethe-Institut Belgrad.

Noam Eidelman Shatil, geboren in Jerusalem (Israel), schloss das Studium an der Jerusalem Academy of Music and Dance in 2009 ab. Direkt im Anschluss wurde sie Teil der Kibbutz Contemporary Dance Company 2 und wurde 2010 von der Israelischen Armee als 'excellent dancer' nominiert und leistete ihren Wehrdienst parallel zu ihrer Company-Tätigkeit. In 2011 wurde sie Teil des Batsheva Ensemble, mit der sie in der Suzan Dallal Hall und international auftrat. Während ihrer Ensemble Zeit wurde sie in GAGA von Ohad Naharin (Artistic Director der Batsheva Dance Company) unterrichtet. In ihrem zweiten Jahr war sie schon diejenige die unterrichtete. Noam Eidelman hat in Israel und vielen anderen Ländern unterrichtet.

Begüm Erciyas studierte Molekularbiologie und Genetik in Ankara, wo sie Mitglied von [Laboratuar], einer Projekt- und Forschungsgruppe für darstellende Kunst wurde. Sie machte ihren Abschluss an der Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD). 2006 erhielt sie das danceWEB Stipendium und ist seitdem aktives Mitglied von Sweet and Tender Collaborations. Begüm Erciyas war Residentin an der Akademie Schloss Solitude, am K3 – Zentrum für Choreografie, Hamburg, an der Tanzwerkstatt Berlin und in der Villa Kamogawa / Goethe-Institut Kyoto. Zu ihren letzten Arbeiten zählen „Ballroom“ (2010), „MATCH“ (2011), „this piece is still to come“ (2012) und „Eine Spekulation / A Speculation“ (2014). http://www.begumerciyas.com

Daria Faïn (USA/F) ist im Süden Frankreichs geboren und lebt seit 1966 in Brooklyn. Faïn hat C O R E M O T I O N entwickelt, eine einzigartige Bewegungs- und Performancemethode, die auf 35 Jahren Studien und Forschungen zur asiatischen Körperphilosophie basiert. Sie ist seit 2001 zertifizierte Qigong-Lehrerin der Mantak Chias Universal Healing Tao und seit 1990 zertifizierte Lehrerin der Alexander-Technik. Sie hat intensiv Tai Chi, Kampfsport, Innere Energieaktivierung, Mentale Energetik und die 5-Elemente-Theorie mit den Meistern Karfung Wu, Francisco Albuquerque, Dr. Jan, Frank Allen und Laura Bernard studiert. 2008 gründete sie zusammen mit dem Dichter Robert Kocik eine Performancegruppe namens "The Commons Choir". Ihre Arbeiten wurden u.a. von BRIC Arts Media, dem River to River Festival, den New Yorker Live Arts, Gibney Dance, Danspace Project, Tanztheater Workshop, Tanz New Amsterdam u.a. gezeigt. In den USA lehrte Faïn an der New York University, Sarah Lawrence, dem Trisha Brown Studio, der Rutgers University, der Harvard University, der Tulane University und der Cooper Union. www.dariafain.net

Anne Faucheret ist Kunsthistorikerin und Kunstkritikerin. Sie arbeitet seit 2014 als Kuratorin in der Kunsthalle Wien. Hier verantwortete sie unter anderem die Gruppenausstellungen The Promise of Total Automation (2016), Work it, feel it! (2017) oder die Einzelausstellung Saâdane Afif. This Is Ornamental (2018). Von 2010 bis 2015 war sie beim steirischen herbst als kuratorische Beraterin im Bereich bildende Kunst tätig, wo sie u. a. die Ausstellungen Adaptation (2012) und Liquid Assets (2013) organisierte sowie das 24/7-Marathon-Camp Truth is concrete (2012) co-kuratierte. Sie schreibt regelmäßig Beiträge für Kunstmagazine und Künstlerpublikationen.

Frey Faust praktizierte Pantomime, Ballett, Aikido, African Dance, Modern, Percussion, Capoeira, Contact Improvisation; arbeitete mit David Parsons, Merce Cunningham, Randy Warshaw, Meredith Monk, Donald Byrd, Stephen Petronio und anderen. Er ist Autor des Buches und Urheber des 'Axis Syllabus'. www.axissyllabus.org

Claudia Feest ist Atem- und Bewegungspädagogin sowie Atem- und Körpertherapeutin, Diplom- biologin, Heilpraktikerin, Tänzerin, Choreografin, Mitbegründerin und Künstlerische Leiterin der Tanzfabrik Berlin bis 2003. Lehre und Forschung mit Schwerpunkt in elementarer Atem- und Bewegungslehre und Körperwahrnehmung. Ausbildung in Gindler-Gora-Arbeit bei Frieda Goralewski (Schule für Atem, Stimme und Bewegung, Berlin), Ausbildung zur Atempädagogin und –therapeutin bei Prof. Ilse Middendorf am Middendorf-Institut Berlin.

Christa Flaig-Isaacs, Tänzerin, Pädagogin, Projektmanagerin. Tänzerische Ausbildung in afrikanischem Tanz in Berlin, Paris, Bamako. Studienaufenthalte in westafrikanischen Ländern, Südafrika und Martinique. Schwerpunkt ihrer tänzerischen Arbeit ist die Recherche über Bewegungsqualitäten im afrikanischen Tanz und die mögliche Bedeutung, Adaptation und Transformation für nicht-afrikanische Tänzer. Seit 25 Jahren Veranstalterin von Fortbildungen und Mitorganisatorin von Festivals für Tanz und kulturellen Austausch in Europa und Afrika. Sie ist Vorstandmitglied der Tanzfabrik Berlin und Kuratorin der Veranstaltungsreihen "SommerTanz", "WinterTanz" und "OsterTanz".

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Philipp Gehmacher lebt in Wien und arbeitet lokal und international. Er ist Choreograf, Tänzer und Studierender der Universität für Angewandte Kunst. Seine Arbeiten ergründen dem Körper eingeschriebene Bewegungen und Aktionen und führen zu Forschungsfeldern wie: Geste, Raum und Berührung. Zwischen 2007 und 2012 entstanden neben zahlreichen choreografischen Arbeiten auch Kollaborationen mit Meg Stuart und Vladimir Miller, die Bühnenstücke wie auch Videoinstallationen hervorbrachten („dead reckoning“, 2009; „the fault lines“, 2010). Seit 2008 Entwicklung der Lecture Performance „walk+talk“ und Beschäftigung mit Sprache, Ansprache und Äußerung („SAY SOMETHING“, 2013). Seit 2011 entstehen Ausstellungen und Videoarbeiten („my shapes, your words, their grey“, 2013). Die Arbeit an Objekten, Materialien und die Gestaltung von begehbaren Räumen (‚der grauraum’) ist derzeit Gehmachers Fokus. Seit 2014 ist Gehmacher auch Teil der Klasse: ‚Skulptur und Raum’ der Universität für Angewandte Kunst, Wien. 2016 ist Gehmacher mit neuen skulpturalen Arbeiten und Performances in Salzburg im Museum der Moderne, in Graz anlässlich des Festivals steirischer herbst, in Helsinki beim Baltic Circle International Theatre Festival und in Sydney bei der Biennale of Sydney zu sehen.

Malgven Gerbes studierte Architektur in Paris, arbeitete als Architektin, graduierte in Choreographie in ArtEZ Arnhem in den Niederlanden und gründete „shifs - art in movement“ gemeinsam mit David Brandstätter. Sie arbeitet als Tänzerin und Choreografin im Kreuzungsfeld von Medien, Bewegung, Schrift und Dokumentarvideoarbeit. Darüber hinaus unterrichtete sie Tanz und Choreographie in verschiedenen Universitäten, u. a. im HZT-Berlin, Dartington College of Arts, Korean National University of Arts, ArtEZ Arnhem, dem HZT Berlin.

David Brandstätter studierte Angewandte Musikwissenschaften in Hamburg. Er startete sein Studium der Choreographie in Arnhem am European Dance Development Centre (heute: ArtEZ). Vor Aufnahme seiner Tanzkarriere arbeitete er als professioneller Einrad- und Jonglierkünstler. David Brandstätter unterrichtet darüber hinaus Tanz und Choreographie in verschiedenen Universitäten, unter anderem: HZT Berlin, UdK Berlin, Dartington College of arts, Korean National University of Arts, ArtEZ Arnhem.

Beide zeigten ihre gemeinsame Arbeit in vierzehn Ländern, u. a. in den Sophiensaelen Berlin, der fabrik Potsdam, Tanzfabrik Berlin, DANCE 2010 München, Les Hivernales d‘Avignon, Gdansk Dance Festival, Festival Tours d' Horizons CCN Tours, Festival Pharenheit CCN Le Havre, beim Tanzfestival in Heilbronn, beim Seoul Art Festival in Südkorea, beim Festival Temps d’image in Rumänien, der Tanznacht Berlin und dem Kunstfest Weimar. Sie sind zur Zeit assoziierte Künstler bei du Triangle – Cité de la Danse de Rennes.

shifts- art in movement steht für den Wechsel von einem definierten Zustand in einen anderen und impliziert damit eine Dynamik des Übergangs. Der Name der 2007 gegründeten Künstlergruppe um Malgven Gerbes und David Brandstätter ist bezeichnend für ihre Arbeitsweise. Hinter der Gründung von shifts- art in movement steht die Überzeugung, dass ein ständiges Wechseln der Perspektive, eine Verlagerung des Gleichgewichts, eine Änderung der Ausgangsposition, das Verstellen externer Parameter und das Umschalten zwischen verschiedenen Ansätzen Bedingungen sind für jede ernst- und dauerhafte Auseinandersetzung mit der Kunst, der sie sich verschrieben haben. Die Choreografen Malgven Gerbes und David Brandstätter präsentieren Stücke, welche die Gewissheiten und auch die Ungewissheiten ihrer Arbeit im wahrsten Sinne des Wortes auf den Teppich bringen und zur Diskussion stellen.    

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Frédéric Gies ist Tänzer, Choreograf und Dozent für Choreografie bei DOCH-UNIARTS in Stockholm, wo er das Choreografie Masterprogramm leitet. Er arbeitet alleine und kollaborativ mit anderen Tänzern und Choreografen, oder mit Künstlern anderer Diszipline. Im Moment entwickelt er ein Recherche Projekt mit dem Titel Bad girls practices: un-writing dance, the body and choir”. www.fredericgies.com

Gintersdorfer/Klaßen entwickeln seit 2005 Projekte, in denen sie Lebensstrategien und Ausdrucksformen der Darsteller zum Zentrum machen und mit eigenen Strategien und Ästhetiken konfrontieren. Das Team ist deutsch-ivorisch mit internationalen Gästen. Alles ist, was es ist. Es geht nicht um erfundenes oder symbolisches weder auf der Text-, Spiel- oder Materialebene. Sie versuchen einen möglichst direkten Transport von Leben ins Theater und von Theater/Performance ins Leben. Australien, Ägypten, Belgien, Burkina Faso, Côte d I’voire, Deutschland, Finnland, Frankreich, Ghana, Großbritannien, Italien, Kamerun, Niederlande, Norwegen, Österreich, Portugal, Ruanda, RF Congo, Schweiz, Senegal. Gewinner Impulse Festival 2009, George Tabori Förderpreis 2010, Tanzkompanie des Jahres 2010, Faustpreis als bester Tänzer für Richard Siegal in Logobi 05, Impulse Festival 2009, Tanzplattform Nürnberg 2009, Zürcher Theaterspektakel 2009, Theatertreffen Berlin 2010, Wiener Festwochen 2010, Donaufestival 2011, Tanz Bern 2013.

Lina Gómez ist eine kolumbianische Choreografin und Tänzerin, die in Berlin arbeitet und lebt. Sie absolvierte ihren MA in Choreografie am HZT Berlin und BA in Tanz und Theater an der Catholic University of Sao Paulo (BR). Zurzeit entwickelt sie ihr Forschungsprojekt Chão Vazado, das vom Goethe-Institut und der Berliner Senat Einstiegsförderung unterstützt wird. Ihre letzten Werke sind STAUB (Poeira Surda) 2016, Devaneios Sobre o Desaparecimento - Träumerei des Verschwindens 2015, die beide präsentiert in den Uferstudios-Berlin und Estudosparaocorpocomotradutorpoéticodaimagem präsentiert wurden. Sie ist Mitbegründerin der Companhia Aberta de Dança von São Paulo-BR (2008) und arbeitet seither mit Choreografen und Interpreten zusammen. Unter anderem hat Lina als Tänzerin für Tino Sehgal, Edson Fernandes und Jorge Garcia gearbeitet. www.linapgomez.com

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Chris Gylee ist Bühnen- und Kostümbildner. 2014 zog er aus Großbritannien nach Berlin. Zu seinen letzten Arbeiten zählen „The Eternal Return“ (Public in Private/Clément Layes), „Social Muscle Club“ (Sophiensaele, Theatertreffen Shifting Perspectives). Zusammen mit Richard Aslan kreiert Chris Performances unter dem Label Once We Were Islands. Zur Zeit erarbeiten beide Künstler eine neue Produktion – „Dogs of Love“ – welche im Mai 2019 im Ballhaus Ost Premiere feiern wird. www.chrisgylee.co.uk

Prof. Nik Haffner studierte Tanz an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt und an der Australian Ballet School in Melbourne. 1994 kam er als Tänzer zu William Forsythe und dem Ballett Frankfurt. Seit seiner Mitarbeit an der CD-ROM „Improvisation Technologies", arbeitet er regelmäßig mit dem ZKM, dem Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe. Als freier Tänzer und Choreograf kreiert er Arbeiten für Theater, Film und Ausstellungen. Als Gastdozent arbeitet er u.a. für Laban Centre London, PARTS Brüssel, Ohio State University. Seit November 2008 lehrt er am HZT Berlin. Im November 2012 wurde er zum Künstlerischen Direktor des HZT Berlin berufen. n.haffner@hzt-berlin.de

Multi-Instrumentalist, Komponist, Produzent und Performer Boris Hauf spielt Saxofon, Querflöte, Synths, Orgel, Computer und singt. Er komponiert für Bands, Solisten, große und kleine Ensembles, für Künstler*innen im Bereich Performance, Film und Video sowie Installationskunst. Von Boris Hauf sind mehr als 50 Veröffentlichungen auf CD, Vinyl und online erschienen. Hauf initiierte und kuratierte das jährliche Kompositions- und Improvisationsfestival Chicago Sound Map in Chicago und die Nachmittagskonzertserie Playdate in Berlin. An der UdK Berlin hat Boris Hauf einen Lehrauftrag. Er tourt weltweit in verschiedenen Bands und Ensembles so wie im performativen Kontext und – wenn notwendig – als Solist. Als Performer und Komponist arbeitet er seit Jahren eng mit den Choreograf*innen Christina Ciupke, Martin Nachbar und Karen Christopher zusammen. Aktuelle musikalische Projekte sind Couscous, Clark, Owl & Mack, Next Delusion, The Peeled Eye. Boris Hauf ist Keyboarder und Multi-Instrumentalist der legendären Band Naked Lunch. Darüber hinaus betreibt er das Label shameless. hauf.klingt.org

Frauke Havemann / ON AIR ist Choreografin und Regisseurin. Zu ihren Arbeiten gehören Live-Performances, Video/Filmprojekte und Installationen. 2015 kuratierte sie die Reihe „UNBOUND“, mit Künstler*nnen aus unterschiedlichsten Bereichen für die AULA im Milchhof. Zur Zeit arbeitet sie an der Fertigstellung ihres ersten Spielfilms. ON AIR gründete sie 2002 zusammen mit Eric Schefter und Neal Wach. Seitdem entstehen Arbeiten, die sich an den Grenzen von Hörspiel und Installation, Performance und Theater, Theater und Film bewegen.

Hanna Hegenscheidt ist freischaffende Choreografin und Lehrerin der Klein Technique™. Bevor sie 2004 nach Berlin kam, arbeitete sie lange Zeit als Tänzerin in New York. Ihre Arbeiten wurden international gezeigt. 2014 schloss sie ihr Studium der Choreografie an der Theaterschool of Amsterdam mit dem Master ab. www.hannahegenscheidt.de  

Sharon Hilleli-Assa (Israel/Germany) Performerin, Choreografin, Dozentin, B.Ed, Dance, MA in arts education. Tanzte u.a. für "Tamar" Company, Laurie de Vito, Twyla Tharp. Eigene Arbeiten für Bühne und Videotanz in Zusammenarbeit mit Emmanuel  Grivet, Amos Hetz a.o. Arbeitete und unterrichtete in Berlin, a.o. at Tanzfabrik, Dock11, Sasha Waltz  & Guests. www.sharonhilleli.com

Kristin Horrigan tanzt seit 1998 Contact Improvisation und hat diese Tanzform auf der ganzen Welt unterrichtet und performt, u.a. in den USA, Deutschland, Dänemark, Japan, Australien und Argentinien. Kristin erwarb ihren MFA in Choreographie an der Ohio State University und hält eine Professur für Tanz und Gender Studies am Marlboro College in Vermont, USA. Sie war außerdem zehn Jahre lang künstlerische Leiterin von Dance Generators, einer generationsübergreifenden Tanzcompany, und hat einige Projekte in diesem Bereich in Zusammenarbeit mit der deutschen Künstlerin Christa Cocciole durchgeführt. Kristins jetzige Recherche fokkusiert sich auf den Schnittpunkt von Gender (dt. soziales Geschlecht)und Tanz, insbesondere im Bereich Improvisation und Kontaktimprovisation.

Diana Thielen (Assistenz) hat zeitgenössischen Tanz am SEAD in Österreich studiert und zertifizierte Axis Syllabus Lehrerin. In regulären Klassen unterrichtet Diana Yoga und Tanz in Berlin und CI/Contemporary in europaweiten Workshops, Festivals und Intensives. Sie ist Studentin der Erziehungswissenschaften und Gender Studies ist besonders begeistert von den politischen Aspekt ihrer wissenschaftlichen Arbeit.Diana hat mit Kristin bereits im Jahr 2015 beim CmC Festival in Göttingen gearbeitet. www.movementactivism.com

Ulrich Huhn war lange Jahre Tänzer bei der Düsseldorfer Gruppe „Neuer Tanz“ und in vielen anderen Tanzproduktionen. Seit 2007 vermittelt er im Rahmen von TanzZeit Berlin zeitgenössischen Tanz an Schulen. Konzeptionell und dramaturgisch kollaboriert er seit 2009 mit Hanna Hegenscheidt.

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Die Ethnologin und Choreografin Miriam Jakob aus Berlin begibt sich in ihren Arbeiten an die Nahtstellen von Wissenschaft und Fiktion. Fragen der Anthropologie werden performativ zu poetischem Material verwandelt. Ihr Solo „Friday...“ (2012), für das sie 2013 den Jurypreis des 100° Festivals gewann, wurde international gezeigt. 2014 erhielt sie Förderung vom Berliner Senat für ihr Ensemblestück „Travelling to the four Corners of the Earth“. Sie kollaboriert mit anderen Künstler*nnen, sowie mit deufert&plischke für bereits mehrere Produktionen. Auch unterrichtet sie an der Schnittstelle von Theater und Ethnografie.

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Jens Johannsen ist Tänzer, Bewegungs- und Körpertherapeut, Bewegungsphilosoph und Handwerker. Er ist der Direktor von moveus, dem deutschen lizensierten Ausbildungsinstitut für BMC. Seit 1979 hauptsächlich mit der Interaktion von Körper und Geist befasst, ist er in seinen Studien mit Lehrern in Tanz, Theater, Stimme, humanistischer Psychologie, Körpertherapien, Yoga, Meditation und anderem zusammengetroffen. 1983 entdeckte er als Tänzer das Body-Mind Centering und blieb dabei. 1989 beendete er die 4-jährige Ausbildung als erster deutscher Practitioner und ging direkt weiter in die Assistenz und Lehrer-Ausbildung. Seit 1993 unterrichtet er in BMC-Trainings. Seit 2003 leitet er BMC-Trainings weltweit. Neben seiner Leidenschaft des Unterrichtens arbeitet er mit Klienten jeden Alters und mit vielfältigen Fragestellungen.

Valdimar Jóhannsson, Komponist und Musiker, absolvierte sein Diplom in Tontechnik am SAE Institute in Brüssel. Von 1994 bis heute hat Valdimar Musik geschrieben und mit den Bands Mamma Hestur, Nine Elevens, Reykjavík !, Rodeo Machine und Lazyblood gespielt. Er ist der Mitbegründer von Shalala, zusammen mit Erna Ómarsdóttir, schreibt seit 2006 Musik und hat an den meisten ihrer Projekte teilgenommen. Dazu gehören Teach us how to outgrow our madness (Scene Nationale des Quartz, Brest 2009), We saw monster (National Theater of Iceland/Reykjavík Arts Festival 2011), The Tickling Death Machine (Kunstenfestival Brussels, 2011), To the bone and A lecture on borderline musicals (Reykjavík Dance Festival 2014). Valdimar hat auch als Lichtdesigner in zahlreichen Tanz- und Theaterstücke mitgewirkt, darunter Hystory (Reykjavík City Theatre 2015) und Da da dans (Iceland Dance Company 2016). Er komponierte Musik für Njála (Island Dance Company und Reykjavík City Theatre 2015) und erhielt 2016 zusammen mit Árni Heiðar Karlsson den isländischen Theaterpreis in der Kategorie Beste Komposition. Im Jahr 2017 war Valdimar Jóhannsson Co-Artistic Director von Sacrifice – A Festival Of Common Things Made Holy. Das von der Iceland Dance Company inszenierte Festival besteht aus vier neuen Arbeiten, drei davon mit Choreographien von Erna Ómarsdóttir und Valdimar Jóhannsson: Shrine, Dies Irae (Kurzfilm von Gabríela Friðriksdóttir) und Union Of The North (Spielfilm, Manuskript von Matthew Barney). 2017 entstand die Premiere "At Dusk", ein Stück von Erna Ómarsdóttir und Valdimar Jóhannson, produziert vom IDC und mit neuer Musik von SigurRós.

Ian Kaler studierte Transmediale Kunst in Wien und absolvierte den Pilotstudiengang "Zeitgenössischer Tanz, Kontext, Choreographie" am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz an der Universität der Künste Berlin. Seit 2010 entwickelt Ian Kaler im Austausch mit unterschiedlichen Künstler_Innen die langfristig angelegte Praxis-Reihe "Insignificant Others", in deren Rahmen 2010 "Untitled Stills" u.a. im Tanzquartier Wien, sowie 2011/2012 "(learning to look sideways)" im Tanzquartier Wien, bei den Tanztagen Berlin, bei Rencontres Choreographiques Internationales de Seine-Saint-Denis, bei ImPulsTanz Wien und der Tanznacht Berlin  gezeigt wurden. "On Orientations | one place after" wurde im Februar 2013 in den Uferstudios / Tanzfabrik Berlin gezeigt. Eine weitere Version "On Orientations | Untimely Encounters" hatte im Mai 2013 Premiere am HAU. Die aktuellste Arbeit "Contingencies" hatte 2014 Premiere in Berlin und in einer Weiterentwicklung und anderer Besetzung bei ImPulsTanz in Wien. Als Performer_In arbeitet/e Ian Kaler u.a. mit Isabelle Schad, Philipp Gehmacher und Laurent Chétouane.

Gyeong-Min Kang ist Choreografin und Tänzerin aus Südkorea. Ihr Hauptinteresse liegt in dem Entstehen vielfältiger Probleme aus dem menschlichen Inneren. Sie glaubt, dass das Verhalten auf eine Ursache-Wirkungs-Beziehung zurückgeht. Die meisten ihrer Performances beziehen sich auf menschliche Psychologie und erforschen die Gefühle des Menschen.

Der Perfomer und Choreograf Mart Kangro lebt in Tallinn. Nach seinem Engagement am estnischen National Ballett konzentrierte sich Kangro auf seine eigenen Arbeiten in denen das Detail und die Klarheit der Bewegung im Fokus stehen. Er arbeitet kontinuierlich mit Künstlern wie Thomas Lehmen, Christina Ciupke, dem estnischen Musiker und Soundkünstler Taavi Kerikmäe und der Gruppe Ansambel U: zusammen.

Raphan Kebe (GB) absolvierte eine Ausbildung als Fotograf, zog 1997 von Paris nach London, um Musik zu studieren, und unterrichtet heute Bewegung und somatisches Bewusstsein auf internationaler Ebene sowie in Studios und Schulen für darstellende Kunst in und um London. Raphan gründete Space & Flow vor acht Jahren, nachdem er in verschiedenen Yoga-Schulen wie Jivamukti und Power Yoga unterrichtete. Sein Interesse an Körperarbeit und insbesondere an Faszien geht auf seine Zeit als Masseur und Student von Tom Myers' ( Anatomy Trains) Methode der strukturellen Integration (K.M.I) zurück. Raphan trainiert derzeit als Feldenkrais-Practitioner. www.space-flow.com

Ausgebildet als Diplombiologin und Tanzpädagogin arbeitet sie seit 2000 als freischaffende Künstlerin im Feld der Videodokumentation zeitgenössischen Tanzes. Sie unterrichtet an Hochschulen und verschiedenen anderen Institutionen im In- und Ausland zu den Schwerpunkten Wahrnehmung sowie Video Dokumentation in künstlerischen Prozessen. 1994 kam sie durch eine Produktionsassistenz für eine Produktion von Dieter Heitkamp/ Tanzfabrik nach Berlin und blieb. Durch Workexchange an der Schule der Tanzfabrik und Begleitung einiger künstlerischer Produktionen am Haus, prägte die Tanzfabrik ihren Einstieg in die Tanzwelt Berlins. Durch die Teilnahme an den Tanzklassen als work exchange und die Unterstützung bei einigen anderen Produktionen beeinflusste die Tanzfabrik ihre Einbindung in die Berliner Tanzszene nachhaltig.

Olivia Hyunsin Kim arbeitet als Choreografin und Performerin in Frankfurt und Berlin. Unter dem Namen ddanddarakim arbeitet sie in verschiedenen wiederkehrenden Konstellationen mit Künstler*innen aus unterschiedlichen Sparten an choreographischen Arbeiten mit genreübergreifenden Mitteln zu den Themen Körper, Identität, Postkolonialismus und intersektionalen Feminismus. Sie hat Tanz und Choreografie an der Falmouth University (Dartington College), am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft Gießen und der HfMDK Frankfurt mit Auszeichnung studiert. Zurzeit arbeitet sie an der „MeMe“ Serie. Der erste Teil „she came, she saw, she said: meme“ feierte bei den Tanztagen Berlin 2016 in den Sophiensælen Premiere und „MeMe – I see. Ah!“ bei neworks im ada Studio Berlin und flog bis nach Mexico. Der dritte Teil „Miss Yellow and Me – I wanna be a musical“ hatte am Mousonturm Premiere und wurde beim Sungmisan Theater Festival Seoul, Aufstand der Geschichten Chemnitz, dem Clinch Festival Hannover und in den Sophiensaelen Berlin gezeigt. Sie war 2016 und 2017 Finalistin für den Ponto Performance Preis und danceweb Stipendiatin 2017 bei Impulstanz. Im März 2019 hatte ihre neues Stück „Yellow Banana“ Premiere in den Sophiensaelen Berlin und dem Het Zuidelijk Toneel/Theater De Niuwe Vorst Tilburg, Niederlanden. 2018 war sie als Komoderatorin von der Dokuserie „Hello Asia“ in 6 Metropolen in Asien unterwegs und hat Millenials zu verschiedenen Themen interviewt. Von 2016 bis 2018 war sie Teil der feministischen Performanceband The Kill Joys und die Produktion „From Station to Station“ war in den Sbahnen in Frankfurt und Hanau während des IMPLANTIEREN Festivals 2018 zu sehen. Unter dem Namen ddanddarakim arbeitet sie in verschiedenen wiederkehrenden Konstellationen mit Künstler*innen aus unterschiedlichen Sparten an choreographischen Arbeiten mit genreübergreifenden Mitteln zu den Themen Körper, Identität und Feminismus. www.ddanddarakim.net

Hyoung-Min Kim wurde 1980 in Seoul geboren. Sie studierte Tanz an der Korea National University, EDDC in Arnhelm und Choreography in Amsterdam. Seit 2004 lebt sie in Berlin and arbeitete mit Toula Limnaios, Constanza Macras/Dorky Park, Thomas Ostermeier, Tommi Zeuggin, Alessio Castellacci, Lena Meierkord, Anuschka Von Oppen, Anna-Luise Recke, Santiago Blaum, Dagma Bock, Nir De Volff, Thomas Schütt, Mattef Kulmay, Benjamin Schaelike, Gabriel Galindez Cruz, Lisa Skwirblies und Fernando Nicolas Pelliccioli. Sie zeigte ihre Arbeit auf der Tanzmesse Düsseldorf, Theater Winterthur, Melkweg, Amsterdam, Nam June Paik Art Center, Tanzfabrik Berlin, Spring Wave Festival, Tanztage Berlin, SIDance Festival, Step Dance Festival, Dock 11, Dresden Projekttheater, Leipzig, LOFFT Das Theater, TANZTENDENZEN Greifswald Festival. Sie erhielt den Preis “Beste Choreographie 2014” in Korea.

Bettina Knaup (Berlin) arbeitet international als Kuratorin und Kulturproduzentin an den Schnittstellen von Kunst, Politik und Wissensproduktion mit Schwerpunkt im Bereich Live Art, Performance und Gender. Sie studierte Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft, Politikwis­senschaft und Gender Studies in Köln und Dortmund. Sie war Programmkoordinatorin des künstlerischen und wissenschaftlichen open space forum der Internationalen Frauenuni­versität, Hannover, Ko-Kuratorin des International Festival of Contemporary Arts, City of Women, Ljubljana und war am transdisziplinären Laboratium für Performancekünste In Transit (Berlin, Haus der Kulturen der Welt) beteiligt. Aktuellere Projekte umfassen die Performance Festivals Performing Proximities (Beursschouwburg, Brüssel) und performance platform. body affects (Sophiensaele Berlin, mit S. Bake) sowie das mehrjährige Ausstellungs- und Archivprojekt re.act.feminism #2 - a performing archive (Akademie der Künste Berlin, Antoni Tapies Foundation Barcelona, Tallinn Art Hall, a.o., 2011-2013, mit B. Stammer). Internationale Lehr- und Vortragstätigkeit sowie Jurymitgliedschaften, darunter Institut für Theaterwissenschaft, FU Berlin und Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz, Berlin. Seit Ende 2015 ist sie phd research fellow am Department of Drama, Theatre and Performance an der Roehampton University, London.

Kurt Koegel (USA) spezialisiert sich auf Workshops, die sowohl Anfänger als auch Profis inspirieren und fördern. Nachdem er in New York City tanzte, lebte und arbeitete Kurt von 1988 – 2012 in Europa; von 1988 – 94 war er Mitglied der Co. Tanzfabrik Berlin. Er tourte in ganz Europa und unterrichtete u.a. für Rosas, PARTS, Ultima Vez, SNDO, EDDC, HfMDK Frankfurt, sowie in Japan und Korea. Von 2007 – 2011 entwickelte und leitete Kurt den Masterstudiengang Zeitgenössische Tanzpädagogik an der Hochschule der Darstellenden Künste Frankfurt am Main (HfMDK). Seit 2013 untersucht er, wie eine erweiterte Wahrnehmung und ein körperlich bewußter, nachhaltiger Umgang miteinander darauf Einfluss nehmen kann, wie wir in öffentlichen Räumen leben und sie gestalten. Sein Ziel ist, diese Arbeit mit jungen Architekten und Designern zu teilen. www.kurtkoegel.org

Koffi Kôkô (FR/BJ) lebt seit den 1980er Jahren in Paris und pendelt zwischen Europa und Afrika. 2004 und 2005 war er Kurator und gemeinsam mit Johannes Odenthal künstlerischer Leiter des Festivals In Transit (HKW, Berlin). Mit Ismael Ivo choreografierte und tanzte er unter der Regie von Yoshi Oida das Stück »Die Zofen«. Daneben zählen zu Koffi Kôkôs wichtigsten Arbeiten u. a. »Passage«, »D‘une rive à l’autre«, »Terre rougeâtre«, »Ça« und »Les feuilles qui résistent au vent«. Er choreografierte u. a. am Kennedy Center in Washington, Barbican Centre in London, Tanztheater Verena Weiss, Luzern. Seit einiger Zeit arbeitet Koffi an der Errichtung eines choreografischen Zentrums in Benin/Ouidah.

Nach ihrem Studium der Kulturanthropologie wechselte Inge Koks 1998 zur Arbeit in den Künsten, wobei sie sich besonders auf zeitgenössischen Tanz und Performance konzentrierte. Sie lebt und arbeitet in Amsterdam und Berlin. Sie arbeitete als Projektkoordinatorin beim Festival für zeitgenössischen Tanz Springdance, dem Tanz-Reenactment Festival cover#2, der 2011er Ausgabe der von Künstlern initiierten Workshopreihe We Live Here: An Academy sowie für GHOST, einem Projekt der in Berlin ansässigen Choreografen Hyoung-Min Kim and Tommi Zeuggin. Als Künstlermanagerin arbeitete sie mit den in Amsterdam ansässigen Tänzern und Performancekünstlern Ivana Müller, Nicole Beutler, Paz Rojo, David Weber-Krebs, André Gingras und tgSPACE. Als Kuratorin wirkte sie für die 2006er und 2007er Ausgaben der TANZTAGE BERLIN und in letzter Zeit für das Theater Frascati in Amsterdam (2010-2012). Sie kuratierte die TANZNACHT BERLIN 2012.



Ein wichtiges Element in Inges Arbeit ist die anthropologische Sichtweise auf Funktionsweisen der Kunstwelt, mit einem Fokus auf Themen wie Solidarität, Öffentlichkeit und Multikulturalismus. Projekte wie [u bevindt zich hier] (Sie befinden sich hier) im Rahmen von Springdance (2004 bis 2005), Expeditie Noord (Expedition Nord) (2006) und Expeditie Nieuw-West (Expedition Neuer Westen) (2007) der Theatergruppe Public Amusement, Wijkjury (Stadtteiljury) (2010-2011), einem Projekt von Zina Platform/Female Economy mit der Stadsschouwburg Amsterdam und dem Theater Frascati, dem Symposium Explorations in Solidarity beim Festival Something Raw (2012) sowie der Vergabe einer Auftragsarbeit an die Choreografin Jo Parkes und TanzZeit für die TANZNACHT BERLIN 2012, mit dem Projekt Ufer / Outside als Ergebnis stehen dafür exemplarisch. Derzeit arbeitet Inge Koks mit dem in Amsterdam ansässigen Theater Podium Mozaïek als Kuratorin und initiiert und entwickelt ihre eigenen Projekte.

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Mattef Kuhlmey ist Musiker, Sounddesigner und Musiklehrer. Mit seiner Band ALP vertont er Stummfilme, sein Label FORTSCHRITT MUSIK ist Plattform für befreundete Bands, im Projekt LANTERNA FUTURI unterrichtet er seit fünfzehn Jahren polnische, tschechische und deutsche Jugendliche. Seit mehreren Jahren arbeitet er als Theatermusiker, hauptsächlich im Bereich von Tanztheater und Performance, wobei ein wesentliches Interesse in der Erkundung und Balance von technischen Möglichkeiten und musikalischer Tradition liegen.
www.mattef.com, www.fortschritt-musik.de

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Aline Landreau arbeitet als Choreografin, Performerin und Sounddesignerin. In ihren Projekten wie zum Beispiel in "Blur!" setzt sie sich mit den Befragungen und zugleich deren Bedingungen bezüglich der menschlichen Wahrnehmung auseinander. Aline Landreau präsentierte ihre Projekte auf dem Open Spaces Festival der Tanzfabrik Berlin 2015 und dem The Nest Festival in Bahrain sowie ihr Solostück "Vox", das sie 2016 choreografierte, bei den Tanztagen Sophiensaele Berlin und dem ImPulsTanz Festival Wien. Aline Landreau absolvierte ihre Ausbildung an der Formation d'Artiste Chorégraphique und nahm an dem Essais Master Programm der CNDC d'Angers unter der Leitung von Emmanuelle Huynh teil. Aline Landreau arbeitet sowohl als Performerin als auch als choreographische Assistentin für Choreografen wie Loïc Touzé und Emmanuelle Huynh sowie in letzter Zeit auch für Vincent Dupont - Mitbegründer der künstlerischen Plattform Météores zur Unterstützung der zeitgenössischen darstellenden Kunstszene mit Sitz in Nantes. Sie gibt regelmäßig Workshops, geleitet von einem kontinuierlichen Interesse für somatische Technik und Improvisation. Sie arbeitet derzeit zwischen Nantes und Berlin.  www.alinelandreau.com

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Thomas Lehmen ist freiberuflicher Choreograf, Tänzer und Lehrer. Von 1986 bis 1990 studierte er an der School for New Dance Development in Amsterdam. Von 1990 bis 2010 lebte er in Berlin. Hier entwickelte er zahlreiche Soli, Gruppenstücke und Projekte: u.a. „distanzlos“, „mono subjects“, „Schreibstück“, „Funktionen“, „It’s better to…", „Lehmen lernt“. Ab 2011 war Thomas Lehmen wieder in NRW wohnhaft und produzierte u.A. die Arbeiten „Schrottplatz“ und „Bitte…". Ab 2013 tourt er mit dem aktuellen Projekt „A Piece for You“ durch die Welt. Zu seinen wiederkehrenden Interessen gehören Kommunikation und das menschliche Wesen, das sich in seiner Umwelt reflektiert und diese mit kreativen Beziehungen gestaltet. Die Herangehensweisen, die oft sprachliche Elemente beinhalten, weisen konzeptionelle Methoden und Darstellungsformen auf. In der tänzerischen Komponente arbeitet er u.A. in technischer Hinsicht mit individuellen Artikulationen, mit den Beziehungen der Tänzer*innen untereinander und tänzerischen Dialogen. Er unterrichtet an zahlreichen Universitäten weltweit und war Gastprofessor in Berlin, Hamburg, Gießen. Über mehrere Jahre arbeitete er in der Arizona State University, er gibt regelmäßig Workshops auf internationaler Ebene. In seiner Lehrtätigkeit arbeitet er unter anderem mit den oben genannten Themen, wie auch mit choreografischen Systemen, die auf eine individuell künstlerische Gestaltung innerhalb gesellschaftlicher Zusammenhänge abzielen. http://www.thomaslehmen.de

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Ligia Lewis lebt und arbeitet als Choreografin und Performerin in Berlin. In ihren Arbeiten verbindet sie kritische und literarische Texte mit Tanz und Theater und befragt die Metaphern und sozialen Einschreibungen in den Körper. Sie nähert sich der choreografischen Arbeit über verkörpernden, sinnlichen und eindringlichen Performances, mit einer Vorliebe für Innerlichkeit und Abstraktion. Ihre Arbeiten können als wahrnehmungsintensiv und komplex beschrieben werden. Lewis hat ihre Arbeiten in vielen verschiedenen Kontexten gezeigt, auch im Bereich der bildenden Kunst und des Theaters. Als Tänzerin arbeitete sie für Choreograf*innen wie Eszter Salamon, Mette Ingvartsen, Jeremy Wade und Kat Válastur, den Regisseur Ariel Efraim Ashbel, den Künstler Wojciech Kosma und trat in Filmen von Wu Tsang und Uli Edel auf. Lewis wurde beim ImPulsTanz Festival Wien 2015 mit dem Prix Jardin d’Europe für ihr Stück „Sorrow Swag” ausgezeichnet. Ihre neueste Arbeit „minor matter“ wird im Herbst am HAU Hebbel am Ufer Berlin uraufgeführt.

Ellinor Kristina Ljungkvist ist in Schweden geboren. Im Moment arbeitet sie als Choreografin und Tänzerin in Skandinavien, Deutschland und Österreich. Ellinor schloss die Salzburg Experimental Academy of Dance mit einem Diplom in Ballett und zeitgenössischem Tanz und das Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin mit einem Bachelor of Arts ab. Sie erhielt 2013/14 ein Stipendium der Studienstiftung des Deutschen Volkes, 2015/16 den Örebro Tanz Grant und ein Austauschstipendium des schwedischen Kunst Grants Committee, neben anderen Stipendien. Ellinor's choreografische Arbeit und Unterricht ist für die Kombination aus zeitgenössischem Tanz und konzeptioneller Performancekunst bekannt. Sie hat vor allem Solo- und Duettstücke choreografiert, und u.a. mit Choreografen wie Deufert&Plischke, Mr. Rice & Peanuts und dem Theaterregisseur Jonas Engman zusammengearbeitet. Im Moment macht sie ihren Master in Choreography an der University of Dance and Circus Stockholm.

Moritz Majce lebt und arbeitet in Berlin und Wien. Er studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Wien und an der Städelschule in Frankfurt a.M. Mit Sensationen im Alleingang (2005 und 2006) beginnt der Schwerpunkt seiner Arbeit: Das Verhältnis von Kunstwerk und Betrachter*in. Er bearbeitet seitdem in Installationen, Choreographien und Videos die Beziehung von Schauen und Angeschaut werden, den Zwischenraum von Publikum und Werk. Mit Die Umsetzung (2011, Localize Festival/Potsdam, 2012 Ballhaus Ost/Berlin) beginnt die künstlerische Zusammenarbeit zwischen Moritz Majce und Sandra Man. Über die gemeinsamen Arbeiten Festung / Europa (2015, Sophiensaele/Berlin), Narkosis (2017, imagetanz Festival/Wien, Open Spaces/Tanzfabrik Berlin), Choros I-VI (2016-2018, Flutgraben/Berlin, Kunstraum Lakeside/ Klagenfurt, Collegium Hungaricum/Berlin, WUK performing arts/Wien, Open Spaces/Tanzfabrik Berlin) entwickeln sie Raumchoreographien: bewegliche Installationen und begehbare Performances. Objekte, Videos, Texte und Performer*innen bilden flüssige Umgebungen für Zuschauer*innen. Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Auseinandersetzung mit Natur und Technik. Ihre Raumchoreographien werden international gezeigt und vor allem von Wien und Berlin gefördert.

Lina Majdalanie, geboren in Beirut (Libanon), arbeitet sowohl als Schauspielerin als auch als Regisseurin und Autorin. Sie entwickelte zahlreiche Produktionen, darunter u.a. Do I Know you? (2017), A Drop of Sweat (2015), 33 rpm and a few seconds (2012), Photo-Romance (2009), Lina Saneh Body-P-Arts Project (a website project, 2007 and installation, 2009), Someone Must Have Been Telling Lies About Me (vidéo-installation, 2008), Appendice (2007), I Had A Dream, Mom (vidéo, 2006), Biokhraphia (2002), Extrait d’Etat Civil (2000). Darüber hinaus war Majdalanie Mitglied des Curriculumkomitees des Home Workspace Ashkal Alwan (2010-2014). Sie lehrte an der Haute Ecole d’Art et de Design (Genf, 2008-2013), an DasArts (Amsterdam, 2012) und an der Goethe-Universität (Frankfurt, 2016). Am International Research Center “Interweaving Performance Cultures” an der Freien Universität Berlin war sie 2009 Stipendiatin. Majdalanie fragt in ihren Arbeiten nach Formen politischer Sprache in Zeiten der Globalisierung und der digitalen Technologie. Sie kuratierte das Programm “Beyond Beirut” am Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt am Main 2016.

Sandra Man lebt und arbeitet in Berlin, Wien und Obervellach. Nach ihrem Studium der Literatur­wissen­schaft und Philosophie begann sie als Autorin und Künstlerin zu arbeiten. In Texten, Videos, in der Zusammenarbeit mit Performer*innen beschreibt sie Räume. Ihr Schreiben fließt durch verschiedene Medien, seit Ellipsen (2014) entsteht es vor allem in Zusammenhang mit Raumchoreographien aus Körpern, Objekten, Bildern und Sprache. Mit Die Umsetzung (2011, Localize Festival/Potsdam, 2012 Ballhaus Ost/Berlin) beginnt die künstlerische Zusammenarbeit zwischen Moritz Majce und Sandra Man. Über die gemeinsamen Arbeiten Festung / Europa (2015, Sophiensaele/Berlin), Narkosis (2017, imagetanz Festival/Wien, Open Spaces/Tanzfabrik Berlin), Choros I-VI (2016-2018, Flutgraben/Berlin, Kunstraum Lakeside/ Klagenfurt, Collegium Hungaricum/Berlin, WUK performing arts/Wien, Open Spaces/Tanzfabrik Berlin) entwickeln sie Raumchoreographien: bewegliche Installationen und begehbare Performances. Objekte, Videos, Texte und Performer*innen bilden flüssige Umgebungen für Zuschauer*innen. Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Auseinandersetzung mit Natur und Technik. Ihre Raumchoreographien werden international gezeigt und vor allem von Wien und Berlin gefördert.

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Susanne Martin (PhD) performt, erforscht und unterrichtet zeitgenössischen Tanz. Sie arbeitet international, kreiert Stücke als Solistin und kollaborativ. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit Improvisation als choreographische Praxis, Narrationen des Alter(n)s, Contact Improvisation und Practice as Research / künstlerische Forschung. Ihre Stücke waren u.a. auf folgenden Festivals eingeladen: Aerowaves (London), International Dance and Theatre Festival (Göteborg), Nottdance (Nottingham), Opera Estate Veneto (Bassano del Grappa), Tanec Praha (Prag). 2017 ist ihre PhD Dissertation Dancing Age(ing) im transcript Verlag erschienen, indem sie das Potenzial improvisationsbasierten Tanzes untersucht, kritisch in unsere Alter(n)skultur zu intervenieren. www.susannemartin.de

Arantxa Martinez ist Performerin und Choreografin, seit 2003 lebt und arbeitet sie in Berlin. Ihre Arbeiten handeln von der Identifikation und den Austauschprozessen zwischen dem Körper und seiner Umgebung und untersuchen diese Prozesse auf ihre Performativität hin. Zu ihren Arbeiten zählen „Très bien éclairé", „Emisiones Cacatúa. Special Issue“, ein Radioprojekt in Zusammenarbeit mit Nilo Gallego (2012), „The Present“ zusammen mit Lola Rubio (2010/2012), „al oeste del Pecos“ (2007), „J, a folk-striptease in 4" (2007), „Trofeo“ (2003), „de l’impatience de celui qui regarde dormir“ in Zusammenarbeit mit Remi Héritier (1999).

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Sergiu Matiş, geboren in Cluj-Napoca, Rumänien, begann seine berufliche Karriere am Tanztheater Nürnberg. Er lebt seit 2008 in Berlin und arbeitet mit Choreografen wie Colette Sadler, Yossi Berg, Philip Bergmann, Daniel Kok und Jee-Ae Lim zusammen. Er tanzt und arbeitet in mehreren Choreografien von Sasha Waltz & Guests (Dialoge: Neues Museum und MAXXI, Continu, Matsukaze und Sacre). Im Jahr 2014 absolvierte er sein Masterstudium Solo/Dance/Authorship (SODA) bei HZT Berlin und erhielt ein Stipendium der Deutschen Akademischen Stiftung. Seine Choreografien (Human Nature, Landing, ThreeDoors, Suche, 89. Grenzenlos, Ending-Dong, Doom Room, Duet, Keep it real, Expliziter Inhalt) wurden international in Radialsystem/Berlin, Kinitiras Studio/Athen, eXplore Dance Festival/Bukarest, Europäisches Festival für darstellende Kunst Timişoara/Rumänien, Internationales Festival dance.movement.theatre Gheorgheni/Rumänien, Das Nationale Tanzzentrum in Bukarest, Hebbel am Ufer Berlin, Antistatisches Festival/Sofia und Impulstanz Wien.

Sebastian Matthias studierte Tanz an der Juilliard School in New York und Tanzwissenschaft an der FU Berlin (MA). Seine choreografische Arbeit basiert auf modularen Improvisationssystemen. Diese entwickelt er mit seinen Tänzer*innen in freien Produktionen u.a. am tanzhaus nrw, bei Kampnagel Hamburg oder Institutionen wie dem Theater Luzern und dem Cullberg Ballett. Von 2012-2015 vertiefte er seinen Ansatz zur künstlerischen Forschung in seiner Dissertation „groove feeling“ an der HafenCity Universität Hamburg und weitete ihn innerhalb der „groove space“ Performanceserie auf partizipative Prozesse aus.

Jamie McCarthy (GB) studierte Musik und Komposition bei dem Komponisten Gavin Bryars und hat viele Jahre lang Musik gespielt und komponiert, vor allem mit dem Schwerpunkt auf Musik für Tanz, interdisziplinäre künstlerische Arbeit und Kollaboration. Er hat mehrere Jahre lang Musik und Gesang an der London Contemporary Dance School unterrichtet und hatte das Glück, sieben Jahre als Geiger mit der Queer Canadian Band the Hidden Cameras durch die Welt zu touren.

Sheena McGrandles schloss ihr Studium am Laban Center London 2007 ab. Von 2008 bis 2009 arbeitete sie mit der Daghdha Dance Company als Artist in Resident in Irland. 2012 hat sie ihren Master in Solo/Dance/Authorship (SODA) am HZT Berlin abgeschlossen. 2012-13 war sie Residenzchoreografin bei K3 Hamburg, wo „true balls" entstand. Ihre Arbeiten zeigte sie europaweit. Ihre Zusammenarbeit mit Zinzi Buchanan an der Performancereihe „Steve&Sam. MAN POWER MIX, New Materialism“ (Tanztage Sophiensaele und Flutgraben, Berlin und Something Raw, Amsterdam) setzt sie fort. Im Rahmen des Tanzkongress 2016 in Hannover zeigte sie „WHO’S THE PARTY NOW, SISTER?“ über die unsichtbaren oder vergessenen feministischen Performances der 1960er und 70er. Seit Oktober 2013 ist sie Teil des künstlerischen Forschungsteams des BA „Tanz, Kontext, Choreographie" am HZT Berlin. Sie arbeitete mit Künstler*innen wie Eva Meyer-Keller, Isabelle Schad, Daniel Kok, Tove Sahlin.

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Magdalena Meindl erforscht den Körper als Sensor und seine Fähigkeit, Strukturen in ihm und um ihn herum wahrzunehmen. Ihre Arbeiten beinhalten Tanz, Choreografie, Bildhauerei, Video und Text.

Lee Méir ist eine Choreografin und Performerin, die vorwiegend in Berlin und Tel-Aviv arbeitet. Ihre Arbeit erforscht die Künstlichkeit performativer Situationen und untersucht paradoxe Zustände. Ihre Soloperformance „Translation included“ erhielt 2011 den 1. Preis für junge Choreograf*innen bei der israelischen Biennale in Tel Aviv. 2013 schloss sie ihr Studium am HZT Berlin ab. 2014-2015 bekam sie Förderungen von der Berliner Senatskanzlei und dem israelischen Kultusministerium, sowie das danceWEB Stipendium in Wien. Méir arbeitet mit Künstler*nenn wie u.a deufert&plischke, Otso Huopaniemi, Maya Weinberg zusammen. www.leemeir.com

Ixchel Mendoza Hernandez ist freischaffende Tänzerin und Choreografin aus Mexiko und arbeitet in Berlin. Sie beendete ihr Choreografie- und Tanzstudium 2007 in Arnheim. Im selben Jahr bekam sie im Rahmen des ImPulsTanz-Festivals in Wien ein Stipendium von DanceWebEurope. 2009 nahm sie am Artistic Residency Austausch – Programm für Iberoamerika und Haiti in Mexico City teil. 2011 erweiterte sie ihren Arbeitsbereich in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Anna Weißenfels auf die Videoproduktion. Ihr Stück „Visual Ghost“ wurde von den Tanztagen Berlin koproduziert und in den Sophiensaelen aufgeführt. Von 2013 bis 2015 belegte sie den Masterstudiengang SoDA am HZT Berlin und erforschte das Phönomen „Visual Ghost“ . 2016 erhielt sie für ihr Projekt "Two Identical Mirrored" die Einstiegsförderung des Berliner Senats. Als Tänzerin arbeitete sie u.a. mit Kat Válastur, shifts, Daniel Wittkopp, Elpida  Orfanidou, Amit Jacobi und Laurie Young.

Matthias Meppelink studierte am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität in Gießen zwischen 2003 und 2008. Er ist Gründungsmitglied der Performancegruppe Monster Truck und arbeitet als Musiker und Lichtdesigner in verschiedenen Konstellationen. Er arbeitete regelmäßig mit Boris Nikitin, Marcel Schwald, Susanne Zaun und Cecilie Ullerup Schmidt. Seit 2008 lebt er in Berlin.

2007 entstand das Berliner Duo Beide Messies des Tänzers und Songwriters Andreas A. Müller und des Cellisten und Komponisten Bo Wiget. In verschiedenen Produktionen arbeiten sie seit 2003 zusammen, u.a. mit Meg Stuart/Damaged Goods, mit happysystem, Rosalind Crisp. Das Verschmelzen und Überschneiden verschiedener Kunstdisziplinen ist den beiden in Fleisch und Blut übergegangen. Ihre Performances sind zwischen Konzert, Tanz, Kabarett und Art-Happening einzuordnen. Mit ihrem „obsessiven, imperativen Entertainment“ haben sie sich eine große Fangemeinde erspielt. Auftritte in Theatern, auf Clubbühnen, Galerien, Tanz- und Performancefestivals von Brüssel bis Tallinn u.v.m. http://www.beidemessies.de

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Lea Moro arbeitet als Schweizer Choreografin und Tänzerin in Berlin und in Zürich. Sie studierte an der Scuola Teatro Dimitri (CH, BA in Physical Theatre), dem LABAN Centre in London (Diploma in Dance Studies) und dem Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin (BA Tanz, Kontext, Choreografie). Ihr Gruppenstück "(b)reaching stillness" hatte im Juni 2015 in den Sophiensaelen Berlin Premiere und ist zur Tanzplattform Deutschland 2016 eingeladen. Ihre Solo Performance "Le Sacre du Printemps", a ballet for a single body (2013/14) wurde u.a. am HAU Hebbel am Ufer Berlin, Festival Tanztage 2015 Sophiensaele Berlin, "Festival Zürich Tanzt" im Tanzhaus Zürich, Dampfzentrale Bern gezeigt. 2015/16 ist sie Residenzchoreografin bei K3 Zentrum für Choreographie/Tanzplan Hamburg und kreiert das Solo Musical "The End of the Alphabet". In der Jahresausgabe tanz, gilt Lea Moro als Hoffnungsträgerin. Im selben Jahr erhielt sie das Elsa-Neumann Stipendium des Landes Berlin, 2014 das DanceWEB Stipendium und seit 2014 wird sie durch das PAP-Mentoring Programm Berlin unterstützt. Lea Moro ist Mitgründerin des Acker Festivals Berlin (2013/14), war zwischen 2012–2014 als Gremiumsmitglied des Akademischen und Erweiterten Akademischen Senats UdK Berlin tätig, ist seit 2014 Residenzkuratorin von Schloss Bröllin (D) und arbeitet auf einer kontinuierlich mit der Choreografin Isabelle Schad zusammen.

Andrew Morrish (Australien) ist Performer, Forscher, Facilitator und Dozent der Improvisation. 1982 improvisierte er zuerst mit Al Wunder's "Theatre of the Ordinary" in Melbourne Australia. 1987 gründete er "Trotman and Morrish" mit Peter Trotman, der ein weiteres Gründungsmitglied des "Theatre of the Ordinary" ist. Die beiden zeigten ihre einzigartigen Improvisierten Duette in ganz Australien und den USA. 1999 zog Andrew nach Sydney und konzentrierte sich auf Solo Auftritte. Er unterrichtet, performt und kollaboriert intensiv in Australien and Europa, 2014 in Melbourne, Perth, Sydney, Paris, Ladornac, Royaumont, Zürich, Berlin, Köln, Leipzig, Huddersfiprgaeld, London, Bristol, (GB), Tampere (Finnland), Oslo, Poznan (Polen),Viljandi (Estonien), Stockholm und Hvar (Kroatien).

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Gisela Müller studierte Tanz in Paris, Amsterdam (SNDO) und New York. Sie war Mitglied verschiedener Tanzkompanien und gründete 1992 die The Move Company, für die sie zahlreiche Stücke choreografierte. Stipendien führten sie ins In- und Ausland. Lehrtätigkeit seit 1988 an verschiedenen Ausbildungsinstituten und Studios im In- und Ausland. Seit 2004 Vorstandsmitglied sowie Künstlerische & Pädagogische Leiterin der Tanzfabrik Berlin Schule und des Dance Intensive Programms. Von 2006 - März 2010 war sie Gastprofessorin am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz/Berlin beauftragt mit der Konzipierung und Leitung des BA Pilotstudiengangs Zeitgenössischer Tanz Kontext Choreographie. Seit 2012 ist sie Mitglied im osteuropäischen Netzwerk Nomad Dance Academy.  

Ivana Müller ist Choreografin, Künstlerin und Autorin von Texten. In ihrer künstlerischen Arbeit und Praxis überdenkt sie das Spektakel in der Politik und das Spektakuläre daran, besucht Orte des Imaginären und der Imagination, hinterfragt den Begriff der "Partizipation" und des "Kollektiven", untersucht Wertvorstellungen und deren Repräsentationen und sie fährt damit fort sich weiter von der Beziehung zwischen Performern und Zuschauern inspirieren zu lassen. Die in Kroatien geborene und in Paris lebende Preisträgerin Ivana Müller hat in den letzten 15 Jahren im internationalen Tanz-/ Theater-Kontext und gelegentlich in Bereichen der Bildenden Kunst, unter anderem der Venice Art Biennale 2015, Arbeiten erschaffen und gezeigt.

Katja Münker, Tänzerin, Choreografin, Feldenkrais-Practitioner. Nach Berufsausbildung und -praxis als Physiotherapeutin folgten Ausbildungen in der Feldenkrais-Methode (1996-2000), Zeitgenössischem Tanz und Instant Composition. Mentorenbegleitung in choreografischen Prozessen durch Ingo Reulecke und Martin Nachbar. Solo-Projekte und künstlerische Kooperationen u.a. mit Alex Arteaga, Bergrecherche, Amos Hetz und Ingo Reulecke. Künstlerische Forschung und Formate u.a in Kooperation mit AREAL_Artistic Research Lab Berlin. Nationale und internationale Unterrichtstätigkeit (Feldenkrais, Zeitgenössischer Tanz, Improvisation/Instant Composition und kreative Prozesse), Veröffentlichungen und Kongressbeiträge. Team-Mitarbeiterin an der Somatischen Akademie Berlin. www.movement-muenker.de, www.kunst-im-gehen.de  

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Marta Navaridas 
studierte Übersetzung an der UPF Barcelona, Choreografie am ArtEZ Arnhem und Mime an der HKA Amsterdam. DanceWEB-Stipendium 2010. Künstlerische Zusammenarbeiten mit Blood For Roses, Sarah Vanhee, Dani Brown, Sofia Mavragani, Mala Kline, Christine Gaigg. Sie ist Mitglied der internationalen Künstlerkollektive Fingersix und The Loose Collective. Seit 2008 entwickelt sie gemeinsam mit Alex Deutinger eigene text-basierte Choreografien. Auswahl: "Look At Them Now!", "Your Majesties" (Aerowaves ‘13), "Speaking of Which", "On the Other Hand”, “Queen of Hearts”. Preise: Tall Order Linz, ACT Preis der Jury Bilbao, BestOFF-Styria Award. Seit 2015 Schlagzeugerin für diverse Musikprojekte.

Jeremy Nelson, assoziierter Professor an der Tisch School of the Arts der New York University, ist Tänzer/Choreograph und ehemaliges Mitglied der Siobhan Davies Dancers und Second Stride Dance Company in London sowie der Stephen Petronio Dance Company in New York. Er tanzte auch in der Arbeit von Mia Lawrence, David Zambrano, Susan Rethorst, Luis Lara Malvacias und in seiner eigenen Arbeit, sowie mit Kirstie Simson. Er erhielt 1991 einen New Yorker Tanz- und Performance-Bessie-Preis für herausragende Leistungen und 2004 ein Guggenheim-Stipendium für Choreografie. Von 2009 bis 2015 war er Direktor der Abteilung für Tanzausbildung der Dänischen Nationalen Akademie für Darstellende Künste. Er ist Fakultätsmitglied von Movement Research in New York und hat in den letzten 35 Jahren in über 30 Ländern Kurse/Workshops an Veranstaltungsorten wie u.a. dem American Dance Festival, ImPulsTanz, P.A.R.T.S. und der Sasha Waltz Company unterrichtet.

Karen Nelson ist ein Eckpfeiler der Tanzimprovisation. Seit vielen Jahren transformiert und entwickelt sie die Form der Contact Improvisation weiter. Mitbegründerin des mixed-ability Experiments Dance Ability und Diverse Dance Research Retreat, performte bei Lisa Nelson/Image Labs Tuning Scores. Ihr didaktischer Ansatz bringt klassische Ursprünge von CI und Tuning durch Übungen, Bilder, Praktiken und Diskussionen zusammen mit dem Ziel, das Eigene hervor zu bringen und die Entwicklung der tänzerischen Formen durch eigene Erfahrungen zu fördern. explomov.weebly.com

Sophia New wurde in Süd London geboren, sie studierte Philosophie und Literatur mit Germanistik an der Universität Sussex, und hat einen Master in Feministischer Performance der Bristol Universität. In 2000 hat sie eine 'Breathing Space Commission' vom Arnolfini Centre for Contemporary Arts, Bristol erhalten - das daraus entstandene Stück 'Feeling Poorly' wurde auf Festivals in Großbritannien und Belgien gezeigt. Im 'Letters Project' hat Sophia ein lebendige Archiv-Performance geschaffen, indem sie im Büro der Live Arts Development Agency, London ihre eigene Sammlung persönlicher Briefe für Besucher*innen kuratierte und ausstellte. In ihren neueren Arbeiten - zumeist vor der Kamera - beschäftigt sie sich mit dem weiblichen Körper und der Rahmung und Installation von performativen Akten. Sophia hat zudem regelmäßig als Autorin für Performance Magazine wie Venue, Live Art Magazine, Open Page Journal geschrieben sowie künstlerische Beiträge für das Performance Research Journal verfaßt. Gemeinsam mit Daniel Belasco Rogers hat sie plan b gegründet und seit 2002 mehr als 25 Projekte in verschiedensten Festivals und Galerien realisiert. Ihre Arbeiten sind zumeist ortsspezifisch, performativ und beziehen Technologien wie GPS, Sound und Video mit ein. Seit 2012 unterrichtet sie als Gastdozentin, seit 2015 als Gastprofessorin am Masterstudiengang Solo / Dance / Authorship (SODA) am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin. Sie unterrichtet zudem regelmäßig Performance und Live Art an der Folkwang Universität der Künste in Essen und in Bochum.

Rick Nodine (GB). Rick entdeckte sein Interesse für Tanz in Clubs und auf Parties und fand dann in der Contact Improvisation die erste technische Tanzform, um sich weiterzuentwickeln. Er tanzte in den 90er Jahre für verschiedene Britische Zeitgenössische Tanzkompanien und unterrichtet seit 2001 an der London Contemporary Dance School, zunächst CI und inzwischen auch Komposition, Perfor- mance und Stimm- und Bewegungstechniken. Als Choreograf hat er in verschiedensten Kontexten gearbeitet; große Opernhäuser, kleine Theater, Tanzkompanien und Warehouse Parties. Als Gast- dozent hat Rick in über 30 Städten und 11 Ländern und für zahlreiche Kompanien unterrichtet, u.a. Rambert Dance Company, Punchdrunk und DV8.

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Alva Noë ist Schriftsteller und Philosoph und lebt in Berkeley und New York. Er schreibt über die Natur des Geistes und der menschlichen Erfahrung. Er ist der Autor von "Action in Perception" (MIT Press, 2004); "Out of Our Heads" (Farrar Straus and Giroux, 2009); und "Varieties of Presence" (Harvard University Press, 2012). Die zentrale Idee dieser Bücher ist, daß das Bewußtsein nicht etwas ist, das uns oder in uns geschieht. Es ist etwas, was wir tun. Alva's neues Buch über die Kunst und die menschliche Natur "Strange Tools" wurde von Farrar, Straus and Giroux am 22. September 2015 veröffentlicht. Alva erhielt seinen Ph.D. in Harvard im Jahr 1995 und ist Professor für Philosophie an der University of California in Berkeley, wo er auch Mitglied des Instituts für Kognitions- und Neurowissenschaften und des Zentrums für neue Medien ist. Zuvor war er Distinguished Professor für Philosophie an der Graduate Center der City University of New York. Er war Philosoph-in-residence bei der Forsythe Company und hat auch mit den Tanzkünstlern Deborah Hay, Nicole Peisl, Jess Curtis, Claire Cunningham, Katye Coe und Charlie Morrissey zusammengearbeitet. Alva hat 2012 ein Guggenheim-Stipendium bekommen und ist ein ehemaliger Fellow des Wissenschaftskollegs zu Berlin. Er liefert einen wöchentlichen Beitrag zum National Public Radio Science-Blog 13,7: "Cosmos and Culture".

Anna Nowicka ist Tänzerin und Saphire®-Practitioner und verbindet in ihrer künstlerischen Forschung die Arbeit mit Bildern, Traumprinzipien und einem aufmerksamen Körper. Sie erweitert diesen kalei- doskopischen Ansatz im Rahmen ihrer Promotion an der polnischen Filmhochschule in Łódź. Annas Arbeit wurde mit dem DAAD-Preis, der Studienstiftung des Deutschen Volkes und dem Tanzstipen- dium der Stadt Berlin ausgezeichnet. Ihre Forschungsarbeit ist nur durch die kontinuierliche Unter- stützung der Art Stations Foundation in Posen möglich. Anna unterrichtete u.a. für Meg Stuart, Tanzfabrik, SMASH Berlin, HZT Berlin und für die Alternative Academy of Dance in der Art Stations Foundation in Poznań.  www.annanowicka.com

Johannes Odenthal studierte Kunstgeschichte und Archäologie in Köln, Bonn und Paris. Er publizierte zahlreiche kulturhistorische Essays und Bücher, ist Mitbegründer und Herausgeber der Zeitschriften tanz aktuell und ballet international/tanz aktuell. Sein Arbeitsschwerpunkt gilt den zeitgenössischen Performing Arts. Er übernahm Festivalleitungen in Stuttgart und Berlin. Von 1997 bis 2006 war Odenthal künstlerischer Leiter des Programmbereichs Musik Tanz Theater im Haus der Kulturen der Welt: Projektleitung unter anderem von DisOrientation (2003), IN TRANSIT (2002-2006), Heimat Kunst, Kulturelle Vielfalt in Deutschland (2000). Im Verlag Theater der Zeit gab er die Bücher The Third Body. Das Haus der Kulturen der Welt und die Performing Arts (2004) sowie tanz.de. Zeitgenössischer Tanz in Deutschland - Strukturen im Wandel - Eine neue Wissenschaft (2005) heraus, sowie 2006 den Band »Lebendige Erinnerung - Xiqu« - Zeitgenössische Entwicklungen im chinesischen Musiktheater. Seit 2006 ist Odenthal Programmbeauftragter der Akademie der Künste, Berlin. Er ist seit 2009 Herausgeber von Steidl/Positionen. 2009 entwickelte er die Programmreihe »Politische Körper« zur Erinnerung der Tanzmoderne in Deutschland.

Erna Ómarsdóttir, künstlerische Leiterin der Iceland Dance Company, machte 1998 ihren Abschluss an der PARTS (performing arts research and training studios). Im Anschluss arbeitete sie mit Jan Fabre, dem Ballett C de la B, Sidi Larbi Cherkaoui und wurde Gründungsmitglied der Kollektive Ekki (Reykjavík) und Poni (Brüssel). Sie hat eine Reihe von Arbeiten für die Iceland Dance Company erstellt und inszeniert. 2009 gründete und inszenierte Erna Black Marrow für die australische Compagnie Chunky Moves in Zusammenarbeit mit Damien Jalet. Die Arbeit wurde auf dem Melbourne International Arts Festival präsentiert und 2015 unter der Leitung von Erna von der Iceland Dance Company (IDC) re-inszeniert. Für ihre Choreographie in Njála, einer Zusammenarbeit von IDC und dem Reykjavík City Theatre (2015), erhielt Erna den Isländischen Theaterpreis 2016 in der Kategorie Tanz- und Bühnenbewegung. Im Jahr 2017 war Erna Ómarsdóttir Co-Artistic Director von Sacrifice – A Festival of Common Things Made Holy. 2008 gründete Erna zusammen mit Valdimar Jóhannsson die Performance-Gruppe Shalala. Shalala hat zahlreiche Tanz- und Performanceproduktionen produziert. Valdimar und Erna sind ebenfalls Teil der theatralischen Band LAZYBLOOD. Erna Ómarsdóttir arbeitet eng mit der bildenden Künstlerin Gabríela Friðriksdóttir und den Musikern Björk, SigurRós, Ólöf Arnalds Jóhann Jóhannsson und Ben Frost zusammen. 2007 war sie Associate Director von Les Grandes Traversees in Bordeaux und Co-Artistic Director des Reykjavík Dance Festivals 2014. Erna wurde mehrfach für ihre Arbeit in den jährlichen Balletttanz-Reviews nominiert, sie ist Preisträgerin des Iceland Theatre Awards und eine Künstlerin von APAP – advancing performing arts project, ein europäisches Netzwerk, das internationale und lokale Aspekte zeitgenössischer Kunst verbindet.

Ayşe Orhon ist in Boston geboren und in Istanbul aufgewachsen; sie ist bosnischer Abstammung und arbeitet als Tänzerin und Performerin in Berlin. Orhon ist Absolventin der Artez (HKA, 2001) und dem Master Choreografie-Programm in Amsterdam (AHK), welches sie im Jahr 2013 mit ihrer Recherche "Permeable Manifestations" abschloss. Ayşe Orhon zeigte ihre Arbeiten auf verschiedenen Festivals in Europa, z.B.: Can You Repeat? (2007), hava (2009), ÇOK (2010), folk (2011) und thinging (2013), wobei die Zuschauer*innen schließlich zu den einzigen Akteur*innen der Veranstaltungen wurden. Vor Kurzem hat Orhon zusammen mit Litó Walkey ein Projekt für den Houseclub im HAU (Fearless Listening) geleitet. Im Rahmen von OPEN SPACES gab es bereits eine Zusammenarbeit zwischen Ayşe Orhon und Christina Ciupke (At Close Distance). Orhons choreografische Arbeiten und ihre Lehre sind durch das gemeinsame Interesse an kollektiver Präsenz verbunden sowie durch das Interesse an der Erzeugung einer Störung, sowohl in der Wahrnehmung als auch in der Handlung. Indem Ayşe Orhon mit Bewegung, Klang und Text arbeitet, nähert sie sich den Sphären zwischen Vertrautem und Unbekanntem, zwischen Wissen und Nichtwissen, was ein Gefühl der Expansion von Raum und Zeit erzeugt. Hierdurch werden Grenzen unscharf und die feinen Linien, die eine Entität von der anderen trennen, verblassen.

Felix Mathias Ott, geboren in Süddeutschland, lebt und arbeitet seit 15 Jahren in Berlin. Er absolvierte eine Ausbildung zum Bühnenplastiker und im Anschluß ein Studium am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin für zeitgenössischen Tanz, Kontext und Choreografie. Er arbeitet als Performer und tourt seit 2011 mit seinen eigenen Produktionen durch Europa und Asien. Seine künstlerische Arbeit und Recherche wird vom europäischen Netzwerk APAP - advancing performing arts project unterstützt. Seine Arbeit tendiert dazu eher reflexive als konzeptuelle Räume zu schaffen, in der die Zuschauer dazu eingeladen sind, eine eigene unbewusste Welt zu entdecken. www.felixmathiasott.com

Georgia Paizi (UK / GR) ist Tänzerin und Dozentin für Bewegung und erfahrene Anatomie. Studierte Tanz am Trinity Laban mit Independent Dance (MA Creative Practice - Tanzprofi, Gill Clarke Bursary, TLD Award) in London und auch Anatomie und Physiologie (CCST). Sie hat eine Ausbildung in Alexander-Technik (LCATT); einen BA in Theater (UoP) und MA in Raumtheorie (NTUA). Sie unterrichtet regelmäßig in Athen, London und Berlin.

Giulia Palladini ist Forscherin und Kuratorin im Bereich der Performance Studies, Sie promovierte in Visual and Performing Arts an der Universität von Pisa und arbeitete als Gastdozentin an der Performance Studies Department of New York University (2007-2008). In den letzten zwei Jahren war sie Stipendiatin der Alexander von Humboldt Stiftung. Sie ist derzeit an der Universität Erfurt tätig. Ihre Artikel wurden in verschiedenen internationalen Fachzeitschriften der Performance Studies und zeitgenössischer Kunst (darunter Contemporary Theatre Review, The Drama Review) veröffentlicht, und sie hat ihre erste Monographie mit dem Titel The Scene of Foreplay: Theatre, Labor and Leisure in 1960s New York fertig gestellt (Northwestern University Press. 2015). Sie war Ko-Kuratorin des internationalen Projektes Affective Archives (Vercelli, 2010) und der Vorlesungsreihe Living Rooms (L’Aquila, 2011). Als Theoretikerin hat sie an mehreren künstlerischen Projekten wie Taking Time (kuratiert bei Nora Sternfeld und Temu Maki, Helsinki/Galleria Augusta 2013), Experimenta/Sur (organisiert bei Mapa Teatro, Goethe-Institute und Siemens Stiftung, Bogotà/Centro de Memoria, Paz Y Reconciliación, 2014), Flamme éternelle (Thomas Hirschorn, Paris/ Palais de Tokyo, 2014), Zu ICH um WIR zu sein ( Cora Hegewald, Leipzig/ Galerie der Hochschule für Grafik and Buchkunst, 2014), The Art of Being Many (geheimagentur, Hamburg/Kampnagel, 2014) teilgenommen. Ihre Forschungsinteressen umfassen Darstellung, Arbeit und Freizeit, das Archiv und die Produktionsweise von künstlerischen Prozessen. 

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Jo Parkes ist freiberufliche Tanzkünstlerin/Regisseurin (D/UK). Sie kreiert partizipative Stücke: Installationen, Performance für den öffentlichen Raum und für Video. Jo ist Gründerin und künstlerische Leiterin von Mobile Dance e.V. Mobile Dance arbeitet sozial engagiert mit ko-kreative Prozessen, oft mit Menschen mit erschwerten Zugang zu partizipativem künstlerischen Schaffen, unter anderem in der internationale Videoreihe „Postcards from…" (2009 - 2017) und seit 2014 JUNCTION, ein Programm von Tanz- und Videoworkshops in fünf Unterkünften für geflüchtete Menschen in Berlin. Jo wird als Gastdozentin in Community Dance international angefragt, z.B. DOCH, Universität Bern, UdK, HZT. 1995 erhielt Jo ein Fulbright Stipendium, um ihren Master-Abschluss in Choreografie an der University of California (UCLA) zu machen. Sie erwarb einen Abschluss (First Class) in Englische Literatur und Deutsch an der Universität von Oxford. Sie gewann im Jahr 2002 den Bonnie Bird Award New Choreografie. 2009 erhielt das Projekt „Postcards from Berlin“ die Kinder zum Olymp-Auszeichnung. In 2016, erhielt sie ein Stipendium von der Berliner Senat. In 2017, würde das Stück "On Tradition: die junge Generation" zu Tanztreffen der Jugend eingeladen. www.mobile-dance.com www.joparkes.com

Sabine Parzer (AT) ist Leiterin und Gründerin des Instituts für ganzheitliche Tanz- und Bewegungs- pädagogik und des Contact Festivals Austria. Sie ist seit über 25 Jahren aktiv als Tänzerin, Choreo- grafin und Tanzpädagogin in den USA, Europa, Israel und Brasilien. Sabine Parzer hat einen Bachelor of Arts in Modern Dance vom Columbia College Chicago und eine Ausbildung in Systemischer und Integrativer Bewegungslehre® (eine erweiterte Feldenkrais® Methode). Ihre Choreografien und Improvisationsstücke werden seit 1990 in New York City, San Francisco, Chicago, Berlin, Wien und vielen anderen Städten aufgeführt. Sie unterrichtet bei vielen internationalen Tanzfestivals und Institutionen wie Impulstanz, Potsdamer Tanztage, Tanzquartier Wien, Israeli Contact Festival, Moscow Contact Festival, Kontakt Budapest, u.v.m.
www.holistic-dance.at   www.contactfestivalvienna.com

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Eva Pfitzenmaier hat Musik/Gesang am Conservatorium von Amsterdam studiert und sich seit Abschluss des Studiums auf Gesang (experimenteller Stimmgebrauch mit Jazz, Blues, Pop und mit traditioneller Musik verwandte Stilarten), Improvisation und Komposition spezialisiert. Schon seit vielen Jahren arbeitet sie außerdem interdisziplinär mit Performance, Tanz, Text, Soundinstallation und Video.

Anna Pietsch ist Tänzerin & Vokalistin, Tanzpädagogin, Autorin für Poesie & Textilhandwerkerin. Ihre Performance-Kunst basiert hauptsächlich auf Improvisation, im Zusammenspiel von Bewegung, Klang & Text. Geboren in Deutschland, verbringt Anna zwanzig Jahre in Paris & lebt derzeitig in Südfrankreich. Nach ihrem Theaterstudium in Hamburg sowie bei Jacques Lecoq in Paris, absolviert sie ihre Tanzausbildung am Institut für zeitgenössischen Tanz in Paris, unter der Leitung von Françoise und Dominique Dupuy. Ausgezeichnet mit dem Staatsdiplom für Tanzpädagogik im Jahre 1991, leitet sie Kurse & Workshopsin in Frankreich, Italien, Deutschland & in der Schweiz. Anna Pietsch entwickelt Improvisation als eigenständige Kunstform, in Zusammenarbeit mit Künstlern aus dem Bereich von Musik, Theater, Architektur, Malerei, Fotografie, Litteratur & Lichtdesign. Ihre Performances & pädagogische Arbeit beruhen auf der dynamischen Wahrnehmung von Raum & Rhythmus, für eine stets zunehmende Verfeinerung zugunsten der Aktion in Aktion.

Peter Pleyer studierte am European Dance Development Centre (EDDC) in Arnheim. Er arbeitete als Tänzer und choreografischer Assistent mit Yoshiko Chuma und Mark Tompkins. Seit 2000 lebt er in Berlin. Von 2007 bis 2014 war er künstlerischer Leiter der Tanztage Berlin und von 2012 bis 2014 Mitarbeiter im Team der Sophiensæle. Sein Interesse als Choreograf und Performer sowie als Dramaturg und Coach liegt darin, neue Methoden des Tanztrainings, der Komposition und Improvisation in choreografische Prozesse zu integrieren, wie z. B. in der Lecture-Performance „Choreographing Books“ oder in „Visible Undercurrent“ (2014). Er unterrichtet an verschiedenen Hochschulen und Festivals in Europa und half in Berlin beim Aufbau eines Hochschulstudiums für zeitgenössischen Tanz.

Darko Radosavljev, geboren in Serbien arbeitet als Tänzer und Choreograph in Berlin und Essen. Er studierte an der Folkwang Universität der Künste (BA Dance), P.A.R.T.S. (Research Cycle) und der Goldsmiths University of London (MA Art&Politics). Er hat in Choreografien und Arbeiten von Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Jason Danino Holt, Nadja Raszewski u.a. mitgewirkt. In seiner eigenen Arbeit sucht er oft nach körperlichen Antworten und Szenarien zu Fragen über Verbundenheit, emotionalen Affekt und Humor. Seine Arbeiten wurden u.a. bei der Liverpool Biennale, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao gezeigt. Seit der Saison 2017/18 ist er Teil des Folkwang Ensembles in Essen.

Juli Reinartz studierte Philosophie, Tanz und Choreografie. Zwischen 2012 und 2013 recherchierte sie in einer einjährigen Residenz am Königlichen Kunstinstitut in Stockholm zum Konzertformat als Choreografie. Der damit zusammenhängende Stückzyklus umfasst die Stücke We are not in this together yet (2011), Atlantic (2013) aud Really Good Music (2014) und war an zahlreichen internationalen Spielorten und Festivals zu sehen. Ihr neuestes Solo ‘You said you’d give it to me – soon as you were free’, ist eine Auseinandersetzung mit Cyborgfeminismus und hatte im September 2016 im MDT (SE) Premiere. Im Frühling 2017 war es in Dansstationen (SE), Atalante (SE) und Something Raw / Frascati (NL) zu sehen. Weitere Informationen unter: julireinartz.org

Bea Carolina Remark ist DanceAbility-Trainerin, Tanz- und Bewegungstherapeutin und Heilpraktikerin. Weiterbildungen in Systemischer Aufstellungsarbeit, Traumatherapie, Hakomi und unterschied- lichsten Richtungen im zeitgenössischen Tanz. Seit ihrer Geburt spastisch gelähmt ist sie Expertin in eigener Sache und gibt Workshops in Tanz und Bewegung und humanistischer Therapie. Sie wirkte und wirkt an Theater- und Tanzproduktionen als Darstellerin mit und arbeitet seit Jahren mit Choreografen, Tanzschaffenden, Hochschulen in Deutschland und unterschiedlichsten Institutionen zusammen. Eigene künstlerische Produktionen beinhalten u.a. den Kurzfilm "Tanz der Träume" in Zusammenarbeit mit der Schule für Geistigbehinderte St. Christoph Wilhelmsdorf (2013) und ein Projekt mit körperlich behinderten Jugendlichen in Sibiu/Rumänien mit der Organisation Motivation (2016/2017).
www.danceability.com

Ingo Reulecke (D), Choreograf, Tänzer, Choreografiestudium an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin. Seine Choreografien wurden mehrfach ausgezeichnet und zu zahlreichen Festivals im In- und Ausland eingeladen. 2006 übernahm Ingo Reulecke an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ die Leitung der Abteilung Tanz und wurde in das Direktorium des „Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz“ (2006-2012) gewählt. Ein Schwerpunkt seiner Arbeit ist die real time composition. Hieran arbeitet er mit mannigfaltigen TänzerInnen und MusikerInnen in diversen Performances. www.ingoreulecke.de

Gabriele Reuter ist Choreografin, Tänzerin und Urbanistin in Berlin und Nottingham. Nach ihrem Studium des Zeitgenössischen Tanzes und Kunstmanagements (BA) in Großbritannien arbeitet sie seit 2003 in freien Projekten mit unterschiedlichen künstlerischen Disziplinen und Formaten, seit 2014 mit dem Komponisten und Soundtechniker Mattef Kuhlmey. Ihre Tanzproduktionen Inventory/ Räumung (2008), Tourist (2010) und The Amplitude (2015) wurden zuerst beim Nottdance festival in Nottingham gezeigt und tourten dann international. Gabriele hat in den letzten 15 Jahren in zahl- reichen Improvisationsreihen und Formaten in England und Deutschland mitgewirkt, u.a. Freistil in der Tanzfabrik Berlin. Zusammen mit Christa Flaig leitet sie außerdem das Workshop Programm der Tanzfabrik. www.gabrielereuter.de

Gerard Reyes ist Tänzer, Choreograf und Dozent in Berlin und Montreal. Er lernte vogue in New York bei verschiedenen international bekannten Meistern der Tanzform, u.a. Danielle Polanco (Mother of the House of Ninja & choreographer-dancer for Beyoncé), Leiomy Maldonado Mizrahi, Jose Xtravaganza (choreographer-dancer für Madonna’s Vogue video und Hauptfigur der Dokumenation "Paris Is Burning"), Javier Ninja, Archie Burnett und Edwin Luciano Revlon. Gerard unterrichtet voguing workshops in Nordamerika und Europa. Im September 2014 zeigte Gerard die Premiere seines Solos THE PRINCIPLE OF PLEASURE im Théâtre LaChapelle Montreal, es tourte in Ausschnitten Porto, Toronto und New York City. Als Tänzer arbeitete er mit Marie Chouinard, Benoit Lachambre, Bill T. Jones, Noémie Lafrance and Luther Brown. Gerard erhielt einen BFA in Dance an der Ryerson University in Toronto.

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Maik Riebort choreografiert, performt, tanzt und unterrichtet. 2009 erhielt Riebort vom Senat Berlin ein Einzelstipendium. Kollaborationen gab es u.a. mit Bahar Temiz, Felix Ott, Keith Hennessy, Ismael Ivo, Prof. Ingo Reulecke, Elisa Müller/Tom Stromberg und Tino Sehgal. Riebort war als Gastdozent am HZT, beim Dance Intensive-Programm der Tanzfabrik Berlin 2009-2013 und an der UDK Berlin tätig.

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Die in Berlin lebende Choreografin, Dozentin und Improvisierende Judith Sánchez Ruíz (CUGE) lebte seit 1999 in New York und zog 2011 nach Berlin. Mit 11 Jahren begann sie ihr Tanzstudium an der National School of Arts. Ciudad de la Habana. Kuba. Sie hat mit Sasha Waltz & Guest (2011-2014); Deborah Hay (2012); Trisha Brown Dance Company (2006-2009); DD Dorvillier (2002, 2019); David Zambrano (1997), Mal Pelo Company (1997-1999); und DanzAbierta Company (1991-1996) gearbeitet. 2010 gründete sie die JSR Company in NYC. Sie schuf zahlreiche choreografische Bühnen- und Site-Specific-Werke und initiierte mehrere Improvisationsprojekte mit Live-Musik mit innovativen Komponisten und bildenden Künstlern. Judith Sanchez Ruiz arbeitete als Dozentin und Choreografin an wichtigen Hochschulen für Tanz in ganz Europa, den USA, Lateinamerika und Asien.

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Colette Sadler ist eine schottische Choreografin, die zwischen Berlin und Glasgow lebt. Ausgebildet im Klassischen Ballett absolvierte sie einen BA (Hons) am Laban-Zentrum London und arbeitete bis 2002 international als Tänzerin. Sadlers Performances wurden in zahlreichen Tanz- und Kunstkon- texten gezeigt, u.a. im Kaai Theatre Brüssel, South Bank Centre London, Nottingham Contemporary, Impulstanz Wien, Les Lattitudes Contemporains Frankreich, OGR Turin, TRAMWAY und als Teil des British Council Showcase 2019. Im Jahr 2019 kuratierte sie das multidisziplinäre Kunstsymposium “Present Futures“ in Berlin und Glasgow in Zusammenarbeit mit Sophiensaele, CCA Glasgow und GoMa (Glasgow Museum).  Derzeit arbeitet sie an einem Forschungsprojekt zur Robotik am Kings College London. colettesadler.com

Rafaela Sahyoun ist Künstlerin und Tänzerin in São Paulo, Brasilien. Zurzeit arbeitet sie an der kollektiven Performance NINGUEMMESOLTA und an ihrem Solowerk Giant in Zusammenarbeit mit Dj Chá Di Lirian. Sie performte beispielsweise in SUPERNADA von Clarice Lima und in REPLAY des in Porto lebenden Choreografen Renan Martins. Sie ist die künstlerische und kuratorische Leitung von Saia Pra Santa – dança e práticas corporais; ein tanz-immersives Programm in Brasilien seit 2017. Ihre Arbeit bewegt sich zwischen Performen, Produzieren, Kuratieren und Gestalten von Erfahrungen in der Kunst. Parallel dazu spielt das Unterrichten in ihrer Praxis eine große Rolle. Seit ihrer Rückkehr nach Brasilien 2014, nach 8 Jahren des Studierens und Arbeitens als Tänzerin im Ausland, entwickelte Rafaela einen Weg ihre eigene persönliche kreative Tanzpraxis zu bewahren, sowie diese als Tänzerin als auch als Dozentin weiterzugeben. Sie unterrichtete Tanz in Workshopformaten neben immersiven Tanzpraktiken für verschiedene Tanzkompanien und öffentliche Institutionen. https://www.rafaelasahyoun.com

Von italienischen Fernseh-Tanz-Produktionen bis hin zu release-basierten und postmodern Tanztechniken, von Kontaktimprovisation zum Literaturstudium und zur Auseinandersetzung mit Theorien – Maria Francesca Scaroni bewegt sich seit 1996 in dem komplexen Feld von Lernen und Tanz-Schaffen. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit dem Prozess der Zusammenarbeit, spielen mit durationalen Experimenten und sind gekennzeichnet von einer Mischung aus Performance, Choreografie und Installation. Seit einiger Zeit erkundet Scaroni Tanz als Form der Prophezeiung. Sie veranstaltete theatrale, installative und/oder durationale Events zusammen mit Jess Curtis („The Symmetry Project“), Vania Rovisco („The State of Things“, im Rahmen von AADK) und trifft seit 2014 Frank Willens in „Towards Another Miraculous“. Seit 2011 arbeitet und tourt Scaroni mit Meg Stuart/Damaged Goods („ Until Our Hearts Stop“, „Sketches/Notebook“, „Built To Last“) und teilt mit ihr und der Berliner Tanz-Community die Hingabe an die Kontaktimprovisation in performativen Events. Als Performerin war sie in Arbeiten von Tino Sehgal und von Berliner Künstler*innen zu sehen (wie z.B. Jeremy Wade, WILHELM GROENER, Hanna Hegenscheidt). Sie unterrichtet am HZT Berlin und ist aktiv in die Entwicklung alternativer Ausbildungsprogramme P.O.R.C.H. und Smash) eingebunden, in denen sie Methoden erarbeitet, die den Körper als Material betrachten. Mit Peter Pleyer initiiert sie Laboratorien, um die eigene Tanzlinie aufzuspüren, um an der Geschichte zu weben und Arbeiten aus der Judson und Post-Judson-Ära zu praktizieren. Sie hat einen Masterabschluss in neuer italienischer Literatur (Schwerpunkt Medien und Kommunikation) und einen Abschluss in Pädagogik und Tanz.

Kareth Schaffer studierte Tanz am HZT Berlin und Europäische Ethnologie an der HU Berlin. Zu ihren choreografischen Arbeiten gehören ein berüchtigtes Sacre („OPFER: The Sacrifice of Kareth Schaffer“, HAU 2013), das konzeptuelle Schlammcatchturnier „Dirty Money Mudwrestling“ (Uferstudios 2015), und neuerdings die Gruppenarbeit „Unheard Of“ (Tanzfabrik 2016). Sie arbeitet regelmäßig mit deufert&plischke, Christian Falsnaes, Tino Sehgal, Stefanie Wenner u.a.

Julia Schwarzbach arbeitet und lebt als Tänzerin und Choreografin in Salzburg und ist seit 2016 Künstlerin im Netzwerk apap - Performing Europe 2020 der SZENE Salzburg. In den letzten 10 Jahren hat sie mit Künstler*innen wie Sasha Waltz, Tania Bruguera, Ivana Müller, Gill Clark, Rosalind Crisp, Zoe Knights, Barbara Bess, Claudia Heu und LaborGras zusammengearbeitet und entwickelt seit 2009 eigene Stücke. Ihre Arbeit “loops and breaks” (2012), in der sie Beziehungen und Dynamiken zwischen Performer und Publikum testet, startete als Research-Projekt in Österreich und Deutschland und tourte 2014 durch England und Spanien, u. a. an Häuser wie das Barbican London, Matadero Madrid, Traverse Theatre Edinburgh. 2014 initiierte Julia das interdisziplinär arbeitende Kollektiv under construction in Salzburg. Die Gruppe zeigte eine erste Arbeit bei der Sommerszene 2015 und steht im Austausch mit Gästen wie Silke Bake, Martin Nachbar und Claudia Heu. Im selben Jahr choreografierte Julia ein Stück mit dem Yugsamas Movement Collective und führte im Rahmen von Impulstanz ein Research-Projekt mit dem Performer und DJ Nic Lloyd durch. Weiterführend dazu entwickeln beide seit 2016 das Duett “Recreation”. Für das Toihaus Theater Salzburg spielt Julia Produktionen für die Allerkleinsten und tourt damit weltweit. Sie absolvierte das SEAD Salzburg und einen Master in Performance und Creative Research an der Roehampton Universität London. Ihre Tanzpraxis und Arbeiten sind beeinflußt von der Auseinandersetzung mit somatic practices wie Kleintechnik und BMC.

Alessandro Sciarroni ist ein italienischer Künstler, der im Gebiet der darstellenden Künste tätig ist. Seine Arbeit geht über die traditionellen Definitionen von Geschlecht hinaus. Er geht von einer konzeptuellen Duchamp-artigen Matrix aus, nutzt einen theatralischen Rahmen und benutzt einige Techniken und Erfahrungen aus den Bereichen Tanz, Zirkus oder Sport. Neben der Stringenz, Kohärenz und Klarheit jeder Kreation versucht seine Arbeit, Obsessionen, Ängste und Fragilitäten der Performances aufzudecken, indem er eine Übung bis an die Grenzen der physischen Ausdauer aus der Sicht der Interpreten wiederholt, indem er eine andere Zeitdimension und eine empathische Beziehung zwischen Publikum und Darstellern betrachtet.

Renae Shadler ist eine australische Performerin, die zwischen Berlin und Melbourne lebt und arbeitet. Ihre Arbeit umfasst Tanz, experimentelle Performance, und partizipatorische Projekte. 2012 gründete sie Renae Shadler & Collaborators; ein projektbasiertes Kollektiv, das Arbeiten für öffentliche Räume, Theater und Gallerien entwickelt. Als Tänzerin und Schauspielerin arbeitete Renae u. A. mit Triage Live Art Collective, Blackhole Theatre, Dewy Dell und Maybe_Together. Sie war Schauspielcoach für ‘Asobi’ von Kaori Ito/Les Ballets C de la B und 2014 danceWEB-Stipendiatin. renaeshadler.com

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Kirstie Simson (UK) ist eine kontinuierliche Explosion in der zeitgenössischen Tanzszene, die das Publikum mit der Vitalität des reinen Kreationsprozesses in jedem Moment der virtuosen Improvisation in Berührung bringt. Von der New York Times als ‘eine Naturgewalt‘ bezeichnet, ist sie eine preisgekrönte Tänzerin und Dozentin, die laut dem Londoner Time Out Magazine “die Grenzen des Neuen Tanzes unermesslich bereichert und erweitert hat“. Kirstie ist heute als hervorragende Dozentin, fesselnde Performerin und führende Persönlichkeit auf dem Gebiet der Tanzimprovisation bekannt. Nach dreizehn Jahren Arbeit als Tanzprofessorin an der University of Illinois wird Kirstie im Mai 2020 in ihr Haus in Wales zurückkehren, von wo aus sie ihre Arbeit, ihren Unterricht und ihre Auftritte weiterhin in der ganzen Welt fortsetzen wird.

Kirstie Simson (UK) schöpft aus ihrem Wissen über Kontaktimprovisation, Tanztechniken, der Alexander-Technik, Aikido, Meditation und engagierte spirituelle Forschung sowie ihre umfangreiche Erfahrung mit Improvisation in Performance. Sie hat über drei Jahrzehnte hinweg unermüdlich gearbeitet, um innerhalb Ihres Unterrichts die Freude am Bewegungsdrang des Körpers zu erforschen und zu vermitteln. Sie fühlt mit Leidenschaft, dass die Befreiung unserer oft unhinterfragten und ängstlichen Beziehung mit unserer physischen Intelligenz ein wichtiger Aspekt bei der Schaffung einer neuen Kultur sein wird. Sie unterrichtet derzeit Tanzimprovisation an der Universität von Illinois und Workshops auf der ganzen Welt.

Agata Siniarska arbeitet an verschiedenen Theaterformaten wie Performances, Events, künstlerischen Praktiken, Vorträgen, Videos u.v.m. Seit ihrem Choreografiestudium entwirft sie ’feministische fun studies’ und kultiviert ihre Sehnsucht nach Sprache und Schreiben, Kino und Animation im Rahmen ihrer künstlerischen Praxis. Sie ist Gründungsmitglied von female trouble, einem freundschaftlichen Kollektiv, das sich Themen Identität, Körper, Feminismus, Vergnügen, Affirmation und Liebe widmet. Mit einer Leidenschaft für Fiktionen wird sie in ihren Untersuchungen zum Werkzeug der Rhetorik und hinterfragt an ihr wirksame kulturelle Einschreibungen. Getrieben von einer grundlegenden, theoretischen Unschlüssigkeit, begegnet sie jeder gestellten Aufgabe mit Faszination und Leidenschaft – zumeist in Gesellschaft vieler besonderer Abenteuer. cargocollective.com/agatasiniarska

Viktorija Ilioska ist Tänzerin und Choreographin, Kliment Poposki Schauspieler und Regisseur.

Lin Snellings (CAN) Performances, Texte und ihr Unterricht basieren auf den Eigenschaften die Improvisation im Bezug auf Tanz, Theater und somatische Praktiken anbieten kann. Sie tourte weltweit als Performerin mit Carbone 14 und arbeitete in zahlreichen Improvisationsensembles. Als Associate Professor an der Universität von Alberta unterrichtet sie zur Zeit Tanz, erfahrene Anatomie und Komposition. Ihre jüngsten Kollaborationen sind u.a. Performing Book mit Bildendem Künstler Shelagh Keeley im MoMA  (New York), the Power Plant (Toronto) und Vancouver Art Gallery (2014-15). Sie arbeitet mit der Choreografin Tedi Tafel, war Teil von Every Day, Life World und dem Calendar Project in Montreal.

Claire Vivianne Sobottke versteht ihre Arbeiten als Ort des Widerstands, an dem Normen des Sehens und Denkens hinterfragt werden können. Sie studierte Schauspiel an der UdK Berlin, begann aber schon bald im Bereich der Performance und des Tanzes zu arbeiten. 2013 erhielt sie das danceWEB-Stipendium des ImPulsTanz Festivals Wien. 2014/15 erarbeitete sie zusammen mit Tian Rotteveel „golden game“. Ausgehend von dem Begriff des „Ungezähmten“ erkundet das Stück die explosiven Zustände und Körper von Kindern an der Grenze zum ungebändigten Wilden. Die Stimme im Gesang oder beim Sprechen als Quelle für Bewegung ist der Ansatz ihrer aktuellen Arbeit, die 2016 am Tanzhaus Zürich und PACT Zollverein Essen zu sehen sind. 2016 gründete sie die interdisziplinäre Plattform „Amazonas“ zur Unterstützung junger Berliner Künstlerinnen und arbeitet sie an einer persönlichen Interpretation von Mary Wigmans „Witch Dance“. Sie hat u.a. zusammengearbeitet mit Künstler*innen wie Meg Stuart/Damaged Goods, Tino Sehgal, Tian Rotteveel, Karol Tyminski, Institutet, Christoph Winkler, Theo Solink, Miriam Horwitz, Gaëtan Rusquet, Johannes Schmit, Jule Flierl.

Alma Söderberg ist eine Choreografin und Performerin, die mit Musik und Tanz arbeitet. Sie benutzt ihre Stimme und ihren Körper, um den Raum zu bespielen, als wäre er ein Instrument. Söderbergs fortlaufende Forschung beschäftigt sich mit der Art und Weise, wie wir zuhören, während wir schauen bzw. mit der Beziehung zwischen Auge und Ohr. Ihre Arbeit hat Söderberg mit einer Reihe von Solo-Performances begonnen, in denen sie eine idiorhythmische Art des Schaffens entwickelte. In ihren beiden aktuellen Musikprojekten “wowawiwa” und “John the Houseband” arbeitet sie mit den Künstler*innen Anja Muller, Dennis Deter, Hendrik Willekens, Roger Sala Reyner und Melkorka Sigridur Magnusdottir zusammen. Derzeit initiiert Söderberg eine Serie von Gruppen-Performances, beginnend mit dem Trio "Entangled Phrases". Dies ist die erste Aufführung, in der Söderberg andere Künstlerinnen (Anja Muller und Angela Peris Alcantud) einlädt, sich ihr in der von ihr entwickelten Praxis für Solo-Performances anzuschließen. In all ihren Projekten arbeitet Söderberg eng mit dem Klangkünstler Hendrik Willekens zusammen.

Mirjam Sögner studierte zeitgenössischen Tanz und Choreografie in Wien und an ArtEZ Arnhem / Niederlande. Ihre Arbeit ist tief in der Bewegungsrecherche verankert und verortet sich meist im posthumanistischen Diskurs. Eine wiederkehrende Frage ist wie Technologie unser körperliches Erleben der Welt verändert. Ihre Stücke tourten durch Europa, Kanada und Australien. Das Solo LARA wurde von Aerowaves 2016 als eines der vielversprechendsten Nachwuchsstücke ausgewählt.

Martin Sonderkamp studierte Tanz und Choreografie an der SNDO Amsterdam. Seine choreografische Arbeit zielt darauf ab, disziplinäre und ästhetische Grenzen zwischen Tanz, bildender Kunst und Musik in der Form von sozialer Choreografie, mixed-media Installationen und choreografische Partituren für Solo und Ensemble Improvisaionen zu erweitern. Zu seinen jüngsten Arbeiten gehören Approximations (2015), Task 14 (2014), Rewired (2013) und Social Movement (2012). Er war Mitbegründer und Performer von Magpie Music Dance Company (1995-2006) und trat in zahlreichen Improvisationsveranstaltungen in ganz Europa, den USA und Asien auf.

Nancy Stark Smith trainierte zunächst als Athletin und Gymnastin, studierte später Modernen und Postmodernen Tanz. Sie war stark beeinflusst von den Entwicklungen des Judson Dance Theater in den 1960ern in New York. Sie tanzte in den ersten Performances der Tanzform Kontaktimprovisation 1972 Steve Paxton und anderen und ist seitdem eine zentrale Figur der Entwicklung der Tanzforma als Tänzerin, Dozentin, Performerin, Autorin/Editorin und Veranstalterin. Sie reiste weltweit zum unterrichten und auftreten und performte Contact und Improvisation mit Paxton und vielen anderen Tanzpartnern wie u.a. Ray Chung, Julyen Hamilton, Peter Bingham, Andrew Harwood, Karen Nelson und dem Musiker Mike Vargas. 1975 war sie  Mitgründerin des internationalen Tanzjournals Contact Quarterly, das sie bis heute, neben weiterer Tanzliteratur, mit herausgibt und publiziert. Ihre Arbeit wird in verschiedenen Büchern und Filmen besprochen, und sie entwickelt seit 1990 die Underscore, ein langes Format einer Tanz Improvisationsscore. Ihr erstes Buch Caught Falling: The Confluence of Contact Improvisation, Nancy Stark Smith, and Other Moving Ideas, wurde 2008 veröffentlicht. Sie lebt im Westen von Massachusetts. www.nancystarksmith.com

Dr. Anke Strauß ist eine Organisationsforscherin, die sich für die Beziehungen zwischen Kunst und Wirtschaft interessiert, und zwar im Hinblick auf unterschiedliche Arten von Wissen, interdisziplinäre Zusammenarbeit und wechselnde Formen der (alternativen) Arbeitsorganisation. Nachdem sie am WZB für künstlerische Interventionen in Organisationen gearbeitet hat, ist sie derzeit an der Zeppelin Universität in Friedrichshafen. Gemeinsam mit Christina Ciupke arbeitet sie an einem von der Volkswagen Stiftung gegründeten Projekt über künstlerische Organisationen und der Performativität utopischen Denkens zur (Re-) Organisation kultureller Arbeit.

Mit Vorbildung in klassischem Ballett und Umweltwissenschaften studierte Jolika Sudermann (Berlin) Tanztheater in Hamburg und MIME (Physisches Theater) an der Amsterdamer Hochschule der Künste. In ihrer Arbeit untersucht sie die kleinsten gemeinsamen Nenner menschlichen (Zusammen-)Lebens und taucht ein in Phänomene wie Puls, kleinkindliche Bewegungsmuster oder gesprochene Sprache. Ihr preisgekröntes Duett "A Talk" (seit 2011, mit A. Söderberg) ist in unzähligen Theatern in Europa sowie zuletzt in New York City zu sehen gewesen. Ähnlich wie ihr jüngstes Stück "INFANTEN" (Stuttgarter Tanz- und Theaterpreis 2015) basiert "PULSE" auf einer Improvisationstechnik und intimem, transparentem Kontakt zwischen Performer und Zuschauer. Jolika unterrichtet an der Tanzfabrik, am Europäischen Theaterinstitut sowie in Community Projekten mit Flüchtlingen. jolika.theaterblogs.de

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Carol Swann (USA) Dozentin, Facilitator, Therapeutin, Performerin und Aktivistin. Unterrichtet seit über 35 Jahren Stimme, Somatics, Alexander Technique, Authentic Movement, Contact and Improvisation in den USA, Lateinamerika, Europa, Israel und Russland. Sie ist Mitgründerin und Co-Direktorin des "Moving On Center, School Of Participatory Arts and Somatic Research" (1994-2015) und war Leiterin des Movement Research (83’-86’). Ihre Arbeit ist von intensiven Studien des Body-Mind Centering, Process Work, Roy Hart Theatre, Release Technique, Action Theater, Theater of the Oppressed und Social Somatics geprägt.

21.7. 15:30 Teaching and Performance Practice Catherine Caraker, Carol Swann, Sharon Hilleli-Assa

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Mark Tompkins, amerikanischer Choreograf und Theaterregisseur lebt seit 1973 in Paris und gründete 1983 die Company I.D.A. Über die Jahre ist die besondere Art, mit der er in seinen Stücken unidentified performance objects erschafft, zu seiner Signatur geworden. Er schafft Solos, Gruppenstücke, Konzerte und Site-Specific Performances die Dance, Musik, Stimme, Video und Text vermischen. Als Dozent bereiste er die ganze Welt. Seine neuesten Performances sind BLACK’N’BLUES a minstrel show, OPENING NIGHT, ein Vaudeville und SHOWTIME ein Musical, STARTDUST mit Jeremy Wade, A POWER BALLAD mit Mariana Tengner Barros, NEVER MIND THE FUTURE mit Sarah Murcia, A WIND OF MADNESS mit dem Mladinsko Theatre in Ljubljana, Slovenia und LE PRINTEMPS. 2008 erhielt er den SACD prize for Choreography für seine Gesamtwerk. www.idamarktompkins.com

Louise Trueheart is Tänzerin, Schriftstellerin und Choreografin. Sie macht eins-zu-eins-Performances, vor allem über Skype, rund um Themen wie Liebe, Intimität und Drohnenkriegsführung. Seit 2014 ist sie an der queer feministischen Plattform COVEN BERLIN beteiligt, seit 2015 deren Chefredakteurin. In diesem Jahr ist sie danceWEB Stipendiatin. Louise Trueheart ist Teil des Teams von INTERNATIONAL NOTICE, einer Publikation zur Erzeugung eines kritischen Diskurses rund um die Berliner Performanceszene.

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Michael Turinsky lebt und arbeitet als Choreograf, Performer und Theoretiker in Wien. Sein Interesse gilt zum einen der eingehenden Auseinandersetzung mit der spezifischen Phänomenologie des als „behindert“ markierten Körpers, und zum anderen der rigorosen Auseinandersetzung mit Diskursen rund um die produktive Spannung zwischen Politik und Ästhetik. Zwischen 1998 und 2005 studierte er Philosophie an der Universität Wien. Als Performer kollaborierte er u.a. mit Bert Gstettner, Barbara Kraus, Legitimate Bodies/Robin Dingemans/Mick Bryson und Doris Uhlich ("Ravemachine"). Zu seinen wichtigsten choreografischen Arbeiten zählen “heteronomous male”(2012), “my body, your pleasure” (2014), sowie seine letzten Arbeiten "Second Skin - turn the beat around" und "Second Skin - Master of Ceremony" (beide 2016). Seine Kollaboration mit Doris Uhlich „Ravemachine“ erhielt 2017 den Nestroy-Spezialpreis. Michael Turinsky hielt Vorträge und Workshops u.a. an den Universitäten Linz und Salzburg, an der College Art Association in New York, am Tanzquartier Wien sowie beim Impulstanz-Festival und veröffentlichte in unterschiedlichen Fachzeitschriften und Journalen. www.michaelturinsky.org

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André Uerba (*1983, Portugal), Bildender Künstler, Performer und Choreograph mit Wohnsitz seit 2013 in Berlin ist am Stadtrand Lissabons aufgewachsen. Dort studierte er an der Hochschule Grafikdesign, am Lissabonner Konservatorium Theater und am Ar.Co Fotografie, wo er 2010/2011 ein Stipendium erhielt.
 2011 nahm Uerba an Vera Mantero Laboratorium „Encontros Rumo“ teil, einem lab für junge Choreografen. 2013 fing Uerba den Master „Solo/Dance/Autorship“ am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz in Berlin an. Im selben Jahr erhielt er das Young Creator Stipendium des Centro Nacional de Cultura (PT) um die Forschung für sein Stück Terrarium zu entwickeln, womit er das Studium im Jahre 2015 abschloss. Uerba hat mit den Künstler*innen: Alexandra Pirici, Ana Borralho & João Galante, Antonija Livingstone, Carlota Lagido, Clement Layes, Christian Falsnaes, Moritz Majce & Sandra Man, Felix Ruckert, Julian Weber, Karnart, Rafael Alvarez, Sílvia Pinto Coelho, Tino Sehgal und Willi Dorner u.a. gearbeitet.

Kat Válastur ist eine Berliner Choreografin und Performerin. Fragmentierung, Zeitraffer, Entropie und Virtualität sind eng mit ihrer Arbeit verknüpfte Aspekte. Grundlage ist dabei die Setzung eines fiktiven Kräftefelds, dem die Körper der Performer ausgesetzt sind. Ihrem Prozess liegen nicht selten Diagramme, Zeichnungen von Scores und Texte zugrunde, die sie individuell für jede Arbeit erstellt. 2013/14 war sie Stipendiatin im Labor für Raumexperimente, einem Projekt von Ólafur Elíasson an der Universität der Künste Berlin, und begann ihre Arbeit an der Choreografiereihe „The marginal Sculptures of Newtopia“, bestehend aus „GLAND“ (2014), „Ah! Oh! A contemporary Ritual“ (2014) und dem letzten Teil der Trilogie „OILinity“ (2016), eine poetische Auseinandersetzung über das Problem der Abhängigkeit westlicher Gesellschaften vom Erdöl und dessen Auswirkungen auf Mensch und Umwelt. Die Arbeiten entstanden in Koproduktion mit dem HAU Hebbel am Ufer Berlin. Válastur studierte Tanz an der Hellenic School of Dance, an den Trisha Brown Studios im Rahmen eines Fulbright-Stipendiums und schloss ihr Studium am HZT Berlin mit einem Master ab. Ihre Arbeiten werden international gezeigt.

Mike Vargas begann 1959 Musik zu studieren und spezialisiert sich seit 1978 auf Musik für Tanz. Er arbeitet als freiberuflicher Komponist in den USA und international. Er performt, unterrichtet, improvisiert und nimmt Alben auf. In den letzten 16 Jahren hat er auf der ganzen Welt mit Nancy Stark Smith gearbeitet. Er ist außerdem Dozent am Smith College dance department. Mike hat bisher 9 Alben mit seiner Musik herausgegeben. www.mikevargas.net

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Jeremy Wade ist Performer, Choreograf, Kurator und Lehrer. Seine Ausbildung erhielt er an der School for New Dance Development in Amsterdam (Abschluss 2000). 2006 zeigte er seine erste eigene Arbeit „Glory“ am Dance Theater Workshop in New York City, für die er den Bessie Award erhielt. Seitdem lebt und arbeitet Wade in Berlin und arbeitet eng mit dem HAU Hebbel am Ufer zusammen. Zu seinen jüngeren Arbeiten zählen „Dark Material“ (2013) mit der Bildhauerin Monika Grzymala und der Band Xiu Xiu, sowie „Together Forever“ (2014), ein dreistündiges partizipatives Performancefest in Zusammenarbeit mit Jared Gradinger, Liz Rosenfeld, Igor Koruga und Michiel Keuper. 2015 entstand „Death Asshole Rave Video“ und „Drawn Onward“, die beide von Tod, Zombiesubjektivität und dem prekären Körper im fortgeschrittenen Kapitalismus handeln.

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Litó Wakey ist Choreografin, Performerin und Lehrende mit Wohnsitz in Berlin. Ihre in Europa und USA präsentierten Arbeiten beinhalten of Hand, of Book of Motion, (2006), aswebegin / Weld Company (2013), Where’s the rest of me (2012), Like that, Like this (2008), instanded i turn (2006), The Missing Dance No.7 (2005), und wings raised to a second power (2002). Von 2002 bis 2009 war Litó Mitglied der Performancegruppe Goat Island aus Chicago. Sie kollaboriert regelmäßig mit Künstler_innen wie Boris Hauf, Myriam van Imschoot, Jeanine Durning, Lucy Cash and Karen Christopher und hat als Performerin (u.a.) mit den Choreografinnen Vera Mantero and Martine Piscani zusammen gearbeitet. Bis vor kurzem war Litó Professorin und Leiterin des BA Dance Context Choreography Programms am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz (HZT) in Berlin. Sie unterrichtet regelmäßig am DOCH (University of Dance and Circus) in Stockholm, Schweden und wird oft eingeladen, choreografische Arbeiten zu begleiten. Litó absolvierte ihren BA und Masters Studiengang in Choreografie an der AHK, der Hochschule der Künste in Amsterdam.

Andrew Wass, ein Absolvent des MA SODA- Programms am HZT in Berlin, beschäftigt sich seit über 17 Jahren mit Contact Improvisation, Performance und Tanz. Seine Arbeiten wurden u.a. in San Francisco, Los Angeles, Seatte, New York, Berlin und Tijuana gezeigt. Zudem unterrichtete er auf verschiedenen Festivals und Universitäten in Japan, USA und Deutschland. Als begeisterter Performer hat er in Arbeiten von Nancy Stark Smith, Jess Curtis, Nina Martin, Mary Overlie u.a. mitgewirkt. lowerleft.org   wasswasswass.com

Während seines Studiums der bildenden Kunst an der HBK Braunschweig und der Akademie der Künste Wien beschäftigte sich Julian Weber überwiegend mit Skulptur und Installation. 2013 absolvierte er den BA in Tanz und Choreografie am HZT Berlin. Seit dem arbeitet er intensiv an Interaktionsräumen von Körper, Objekt und Bewegung. In den letzten Jahren hat er an einigen Gruppenausstellungen teilgenommen, Performances und Einzelausstellungen realisiert und internationale Stipendien erhalten. Er arbeitet mit Künstlern/innen, wie Meg Stuart, Boris Charmatz und Tino Sehgal und entwickelt eigene Arbeiten an der Schnittstelle von Choreografie und bildender Kunst. Anfang 2015 premierte er die Arbeit /FORMEN FORMEN/ in den Sophiensälen Berlin, in der er 5 KünstlerInnen (wie Meg Stuart, Nik Haffner und Peter Pleyer), die ihn in seinem künstlerischen Prozess beeinflusst haben, in Bezug zu minimalen Skulpturen choreografierte. In /the tourist/ konfrontierte er eine Ausstellung mit einer amorphen und mobilen Bühnensituation aus Tänzern und Skulpturen und gewann damit den Berlin Art Prize 2015. Zur Zeit studiert er den Master Choreografie an der AHK Amsterdam.

Christoph Winkler wurde in Torgau geboren und war als Jugendlicher zunächst mehrfach Spartakiadesieger im Gewichtheben und Judo, trainierte außerdem Kampfsport und Breakdance bevor er zur Ausbildung an die Staatliche Ballettschule Berlin delegiert wurde. Er tanzte in Videoproduktionen für MTV und trat Anfang der neunziger Jahre in Berlin als Performer in Underground-Technoclubs auf. Danach studierte er vier Jahre Choreografie an der Berliner Hochschule für Schauspielkunst “Ernst Busch” und gründete Klangkrieg Produktionen, ein Label für experimentelle Musik. Nach dem Studium entschied sich Christoph Winkler 1998 als freischaffender Choreograf in Berlin zu arbeiten. Er wurde schon früh von der Kritik für seinen innovativen Tanzstil und minimalistischen, streng komponierten, diskursiven Tanzdramen wahrgenommen und erhielt Einladungen zu zahlreichen Festivals. Ab 2006 begann sich seine Arbeit deutlich zu diversifizieren. Er arbeitet mit jungen Hip-Hop Tänzern (Tales of the Funky, 2007; Saal A, 2008; Taste of Ra, 2009; Maldoror-Amped, 2011), sowie an einer Reihe von Arbeiten mit bildenden Künstlern über den Begriff von Performance und der Kontextualisierung von Tanz (Posed, 2008; Eine Geschichte, 2009). 2007 gründete er zusammen mit “ehrliche arbeit – freies Kulturbüro” die Agentur BERLIN GOGOS als Möglichkeit für zeitgenössische Tänzer sich am freien Markt zu bewähren.

Seit 2007 ist es ihm wichtig solche Themen für den Tanz zu finden, die ganz innerhalb dieser Kunstform stehen, aber darüber hinaus auch auf momentan in der Gesellschaft stattfindende Diskurse hinweisen. Aktuelle Arbeiten dazu sind: Dance! Copy! Right? (2012) zum Thema Urheberrecht, sowie RechtsRadikal und Das Wahre Gesicht – Dance Is Not Enough, beides aus dem Jahr 2013. Das Solo Baader – Choreografie einer Radikalisierung wurde 2012 zu Tanzplattform eingeladen und der Tänzer Martin Hansen dafür von der Zeitschrift “tanz” zum Tänzer der Jahres 2012 ernannt. In 2014: Abendliche Tänze – Ein Tanzfonds Erbe Projekt über den subjektiven Prozess des Erinnerns und Wo die Zitronen blühen – ein Solo mit Ahmed Soura über deutsches Kulturgut.

Elsa Wolliaston, Choreografin, Tänzerin, Lehrerin; Forschung über Traditionen und Rituale in Java, Bali und Kongo; Arbeit u. a. mit Peter Stein, Yoshi Oida, Steve Lacy. www.elsawolliaston.org

Biografie demnächst verfügbar. (siehe englischsprachige Webseite)

23.7. 15:30 Lecture Sara Wookey „Transmitting Trio A“

Siegmar Zacharias entwickelt seit 2003 Formate von Multimedia-, Theater-, und Lecture-Performances, die sich mit der Position der Zuschauer*in, der Frage von Wirkungsmacht (agency), dem Kontrakt des „willful supspension of disbelief“ und der kritischen Substanz, die er erzeugt, beschäftigt. Sie bewe­gen sich zwischen DoItYourself Low-Tech und High-Tech, Philosophie und Sinnlichkeit, Humor und Labor. Sie ist Gründungsmitglied der Gruppe SXS Enterprise und Initiatorin von WOW-wir abeiten hier, eine Austausch- und Rechercheplattform für Performancekünstler*innen in Berlin.
Siegmar stu­dierte Philosophie und Komparatistik in Berlin und London und Performance Art bei DasArts Amsterdam. Sie unterrichtet u.a. am HZT Berlin, DOCH Stockholm und DasArts Amsterdam.
Mit ‚Dirty Talk’ entwickelt sie eine Praxis, die die Materialität des Sprechens erforscht. www.siegmarzacharias.com

Thodoris Ziarkas (UK / GR) ist Improviser, Kontrabassist und Komponist. Nachdem er mit den Klängen der kretischen Lyra aufgewachsen ist, kam er durchs Experimentieren zum Kontrabass. Derzeit lebt er in London und ist Mitbegründer der Gruppe Valia Calda. Er tritt regelmäßig als Solist, mit dem London Improvisers Orchestra, Bonnendis, ΑMΑΝ, und im Trio mit Tasos Stamou und Stephanos Chytiris auf. Außerdem ist er qualifizierter Lehrer der Alexander-Technik (L.C.A.T.T, London).